ADN AFRICANO

En equilibrio entre figuraciones rítmicas binarias y ternarias

Los orígenes

La revancha cultural de África comenzó con la música.

Cuando los africanos llegaron a las costas del otro lado del océano, se comunicaban con el ritmo, el canto y el lenguaje corporal.

Tras una situación inicial impuesta, con el paso del tiempo la antigua cultura y sus sólidas tradiciones recuperaron el lugar que les correspondía en la sociedad occidental, enriqueciéndola y desprendiendo una gran energía capaz de cambiar las costumbres del país de acogida.

Los africanos bailan, pero no como pasatiempo, como quienes frecuentan las discotecas, sino por una verdadera necesidad que requiere ritmo, alternancia de acentos y polirritmia, estrechamente relacionados con los pasos de baile y el significado intrínseco de cada uno de los numerosos patrones rítmicos.

La familia de los “Griot”, populares percusionistas de Senegal, reunía a la gente de los pueblos con sus percusiones y les informaba de todas las novedades; eran una especie de pregoneros.

Estados Unidos, Brasil y el Caribe son ejemplos irrefutables de la transformación que se produjo tras la llegada de la cultura africana a estas tierras: el jazz, la samba y todos los ritmos afrocubanos.

Las influencias

Es imposible imaginar el mundo actual sin la influencia de esta música. George Gershwin, a pesar de su formación clásica, quedó literalmente cautivado por el blues, hasta tal punto que compuso la famosísima “Rhapsody in Blue”, así como muchas otras composiciones famosas para musicales: Porgy and Bess y Summertime, por citar algunas que se convirtieron en estándares interpretados por los músicos de jazz.

Ritmos binarios y ternarios

Para entrar más en detalle sobre las figuraciones rítmicas y el “binario y ternario”, los ritmos ternarios son la matriz que caracteriza la música afro, la interacción con las figuraciones binarias crea una “onda polirrítmica” anómala y fascinante al mismo tiempo.

Es a discreción del intérprete si se inclina más por una de las dos interpretaciones, no es solo una cuestión matemática, sino también de interpretación.

El gran Peter Esrkine dijo durante una clase magistral que el efecto del ritmo de la samba es un poco como escuchar dos bandas en dos habitaciones diferentes al mismo tiempo, donde una toca un shuffle (ternario) y la otra una canción de rock (binario).

Típico ritmo de samba de la “Batucada“, conjunto de percusión de las escuelas de carnaval.

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Periódicamente llegan oleadas musicales que cambian el equilibrio de las costumbres. Las comunidades afroamericanas, que desde hace muchas generaciones se reúnen regularmente en las iglesias para cantar en grupos numerosos, tanto a capela como acompañados por una banda, desprenden una energía incontenible. Muchos elementos destacados de la música mundial han nacido allí, como la gran Aretha Franklin, por citar una de las voces más representativas del soul.

Los músicos que acompañan a los cantantes, y en concreto los bateristas, han elaborado los rudimentos tradicionales de la batería, que incluyen los sticking (combinaciones de golpes simples y dobles alternados) y las frases lineales (combinaciones de golpes entre manos y pies). Hasta aquí nada nuevo, pero los han elaborado de manera exponencial, creando así un verdadero lenguaje o, si se quiere, un nuevo estilo. Se llaman “Gospel Chops”. Me refiero a esos nuevos modelos de batería hipertecnicos que a veces rozan lo circense. Obviamente, en un mundo donde la velocidad es lo que prima, todo esto tiene un gran atractivo, sobre todo entre los jóvenes bateristas.

El profesor Gary Chaffee, de la Berklee School de Boston, ya https://www.youtube.com/watch?v=XFqTm61bEzA Hace más de cuarenta años, escribió una serie de volúmenes innovadores. https://www.garychaffee.com/booksdvds donde profundizaba en el estudio de la aplicación de esta técnica, estos libros forman parte ahora del programa de estudios de todas las escuelas de batería y sin duda han sido también una referencia para los bateristas de Gospel Chops,
https://www.youtube.com/watch?v=KFMMcEuYoaQ.

Al ser un estilo de batería técnicamente muy “llamativo”, se utiliza a menudo para presumir en vídeos online de la propia habilidad técnica que, sin embargo, a veces, raya en un ejercicio repetitivo sin sentido, descuidando el contenido musical.

Viernes en el Cadillac: Bob Berg

Friday in the Cadillac es una canción del gran saxofonista Bob Berg (fallecido prematuramente en un accidente automovilístico en el apogeo de su brillante carrera) que también contó con una colaboración con la leyenda absoluta del jazz Miles Davis.

Viernes en el Cadillac: Bob Berg – Grabación de 1993

Aquí tocan: Danilo Rea al piano, Max Bottini al bajo, Marco Rinalduzzi a la guitarra, Bob Berg al saxofón y yo a la batería.

Gegè y Boparazzi

Durante la gira con Gegè Telesforo en los años 90 fuimos al estudio para realizar su álbum “Gegè and Boparazzi” producido por el sello “Go Jazz” nacido de una colaboración entre América y Japón con la dirección artística del pianista y cantante neoyorquino Ben Sidran que también tocó en algunas canciones.

La grabación en estudio

La sesión fue grabada en un estudio romano, Pollicino, por el ingeniero de sonido Marco Lecci con Ben supervisando la dirección y posteriormente mezclada y masterizada en Electric Lady Studios en Nueva York, fundado por Jimy Hendrix en Greenwich Village.

Por primera vez tuve la oportunidad de trabajar con una gran banda estadounidense cuyos discos también tenía, incluida una actuación en directo en Montreux con Steve Gadd en la batería.

En comparación con el estilo italiano de grabaciones de estudio de aquellos años Me sorprendió el método americano. que se centró principalmente en la espontaneidad del contenido, dejando de lado algunos detalles de la forma.

Todos estábamos estrictamente en vivo y todas las tomas, incluida ésta, fueron grabadas incluso mientras ensayábamos las canciones.

Sin duda, la inteligencia artificial no podrá construir un Stradivari o una Gretcsh de los años 50, instrumentos que, con todas sus inconfundibles cualidades y ’quizás“ algún defecto, han caracterizado tanto la música clásica como el jazz.

Muchos bateristas, en el caso de la percusión, a pesar de ser patrocinadores de grandes marcas, siguen utilizando tambores de los años 50, 60 y 70.

Al igual que con el vino, hay un proceso obligatorio para las papilas gustativas y el olfato a la hora de evaluar botellas importantes, lo mismo ocurre con el oído, los tambores antiguos prácticamente artesanales como los viejos Ludwig, Gretcsh y Slingerland, por citar los más conocidos, tienen un sonido y una personalidad únicos, incluso comparando el mismo tambor, el mismo tamaño y el mismo año, todos rigurosamente firmados por el ensamblador junto con la fecha de fabricación.

Esta es la diferencia fundamental entre lo nuevo, que tiene un buen sonido y un buen acabado, y los matices únicos de lo vintage.

Percuotere o dirigere

¿Te has preguntado alguna vez qué propósito cumple un director cuando los músicos tienen una partitura delante? La respuesta es una pregunta: ¿cómo podrían 60 u 80 músicos tocar simultáneamente la primera nota? Depende completamente del gesto del director.

Los momentos de silencio absoluto que preceden al inicio del sonido le ayudan a concentrarse en el ritmo, o más bien en la velocidad metronómica, de la pieza que está a punto de interpretar, y ayudan a los músicos a sintonizar perfectamente con su movimiento.

Este gesto matizado, un código exclusivo entre orquesta y director, continúa a lo largo de toda la pieza, presentando excursiones dinámicas dictadas por la amplitud del movimiento de la batuta, su naturaleza presionante en el accelerando, en las suspensiones, en los rallentandos, y así sucesivamente hasta el final.

El papel del baterista

Cuando asistes a un concierto de jazz, rock o pop, es posible que te sientas atraído por el baterista, la figura detrás de los platillos y los tambores que marca el ritmo y a menudo realiza un solo antes del final del concierto.

¿Cuál es exactamente su papel dentro de un grupo o una gran orquesta? Quienes dicen «cómo me hubiera gustado tocar la batería de niño» quizá nunca se hayan planteado esta pregunta.

Lo que impresiona a los no iniciados es la habilidad de golpear rápidamente los tambores y platillos, captando así la atención. En realidad, este es un aspecto secundario, aunque fascinante; la función crucial es marcar el compás con fluidez y autoridad, proporcionando señales precisas de tempo y cambios de dinámica, a la vez que se adoptan sonidos apropiados para el estilo musical.

Incluso la batería se adhiere a una partitura musical con referencias exclusivamente rítmicas, no melódicas, y carece de tambores que produzcan notas con un tono preciso. Todo parece fácil cuando ves tocar a un buen baterista.

Baterista y director

Una orquesta sinfónica cuenta con un departamento de percusión generalmente equipado con timbales sinfónicos, que, a diferencia de la batería, están afinados para producir notas muy específicas, xilófono, platillos de bombo y diversos efectos. Pero ¿qué sucede cuando hay dos "directores", como es el caso de las orquestas rítmicas-sinfónicas con baterista, como las que suelen verse en conciertos, festivales o en televisión?

Una vez comenzada la pieza, la progresión rítmica queda a cargo del baterista, cuya tarea es sostener a este gran conjunto como una especie de pilar, tocando con regularidad y poniendo así a gusto a toda la orquesta, siempre bajo la atenta mirada del director, que con pequeños gestos sugiere matices interpretativos, a veces dictados por un factor emocional contingente.

Vídeo del Concierto de Navidad del Vaticano, 2017, con Patti Smith.

Salvatore Corazza en la batería con la gran orquesta.