ADN AFRICAIN

Entre figurations rythmiques binaires et ternaires

Origines

La revanche culturelle de l'Afrique a commencé par la musique.

Lorsque les Africains ont atteint les côtes d'outre-mer, ils communiquaient par le rythme, le chant et le langage corporel.

Après une condition initiale imposée, au fil du temps, la culture ancienne et ses traditions inébranlables ont trouvé leur place dans la société occidentale, l'enrichissant et libérant un fort pouvoir énergétique qui a changé les coutumes du pays d'accueil.

Les Africains dansent, mais pas pour le plaisir comme les clubbers, c'est un véritable besoin de rythme, d'alternance d'accents et de polyrythmies, étroitement lié aux pas de danse et à la signification intrinsèque de chacun des nombreux motifs rythmiques.

La famille des "griots", percussionnistes populaires au Sénégal, avait l'habitude d'appeler les habitants des villages avec leurs tambours et de les tenir au courant de toutes les nouvelles ; ils étaient en quelque sorte les crieurs publics.

Les États-Unis, le Brésil et les Caraïbes sont des exemples irréfutables de la transformation qui a eu lieu après l'arrivée de la culture africaine dans ces pays : le jazz, la samba et tous les rythmes afro-cubains.

Influences

Il est impossible d'imaginer le monde d'aujourd'hui sans l'influence de cette musique. George Gershwin, malgré sa formation classique, a été tellement séduit par le blues qu'il a écrit la célèbre "Rhapsody in Blue" ainsi que de nombreuses autres compositions célèbres pour des comédies musicales : Porgy and Bess et Summertime, pour n'en citer que quelques-unes, qui sont devenues par la suite des standards joués par les musiciens de jazz.

Rythmes binaires et ternaires

Pour être plus précis sur les figurations rythmiques et sur le "binaire et le ternaire", les rythmes ternaires sont la matrice déterminante de la musique afro, l'interaction avec les figurations binaires crée une "vague polyrythmique" qui est à la fois anormale et fascinante.

C'est à l'interprète de décider s'il faut insister davantage sur l'une ou l'autre des deux figurations, ce n'est pas seulement une question de mathématiques, mais aussi d'interprétation.

Le grand Peter Esrkine a dit lors d'une master class que l'effet du rythme de la samba est un peu comme écouter deux groupes dans deux pièces différentes en même temps, où l'un joue un shuffle (ternaire) et l'autre une chanson rock (binaire).

Rythme de samba typique de l'ensemble de percussions "Batucada" des écoles de carnaval

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Périodiquement, des vagues de musique arrivent qui changent l'équilibre des mœurs, les communautés afro-américaines, qui depuis de nombreuses générations se réunissent régulièrement dans les églises pour chanter en grand groupe a cappella ou accompagné d'un groupe, libèrent une énergie irrépressible, de nombreux éléments marquants de la musique mondiale y sont nés, comme la grande Aretha Franklin pour ne citer que l'une des voix les plus représentatives de la Soul.

Les musiciens qui accompagnent les chanteurs, et plus particulièrement les batteurs, ont élaboré les rudiments traditionnels de la batterie, qui comprennent le collage (combinaisons de coups simples et doubles alternés) et les phrases linéaires (combinaisons de coups entre les mains et les pieds), ce qui n'a rien de nouveau, mais ils les ont élaborés de manière exponentielle, créant ainsi un véritable langage ou, si l'on veut, un nouveau style. C'est ce qu'on appelle les "Gospel Chops". Je fais référence à ces nouveaux modèles de betterisme hyper-technique qui frôlent parfois le cirque. Évidemment, dans un monde où la vitesse est reine, tout cela a beaucoup d'attrait, surtout chez les jeunes batteurs.

Déjà le professeur Gary Chaffee de l'école Berklee de Boston https://www.youtube.com/watch?v=XFqTm61bEzA Il y a plus de quarante ans, il a écrit une série d'ouvrages novateurs. https://www.garychaffee.com/booksdvds où il a approfondi l'étude et l'application de cette technique, ces livres font maintenant partie du programme de toutes les écoles de batterie et ont certainement été une référence pour les batteurs de Gospel Chops également,
https://www.youtube.com/watch?v=KFMMcEuYoaQ.

Comme il s'agit d'un style de batterie techniquement très "tape-à-l'œil", il est souvent utilisé pour montrer ses capacités techniques dans des vidéos en ligne, ce qui, cependant, frise parfois l'exercice répétitif pour le plaisir, en négligeant le contenu musical.

Vendredi dans la Cadillac : Bob Berg

Friday in the Cadillac est un morceau du grand saxophoniste Bob Berg (décédé prématurément dans un accident de voiture au sommet de sa carrière fulgurante) qui s'est également targué d'avoir collaboré avec la légende absolue du jazz Miles Davis.

Vendredi dans la Cadillac : Bob Berg - Enregistrement 1993

Les voici : Danilo Rea au piano, Max Bottini à la basse, Marco Rinalduzzi à la guitare, Bob Berg au saxophone et moi à la batterie.

Gegè et Boparazzi

Pendant la tournée de Gegè Telesforo dans les années 1990, nous sommes entrés en studio pour enregistrer son disque "Gegè and Boparazzi", produit par un label appelé "Go Jazz", né d'une collaboration entre l'Amérique et le Japon sous la direction artistique du pianiste et chanteur new-yorkais Ben Sidran, qui a également joué sur quelques morceaux.

Enregistrement en studio

La session a été enregistrée dans un studio romain, Pollicino, par l'ingénieur du son Marco Lecci, sous la supervision de Ben, puis mixée et masterisée aux Electric Lady Studios de New York, fondés par Jimy Hendrix dans le quartier de Greenwich Village.

J'ai eu l'occasion pour la première fois de travailler avec un grand nom américain dont j'avais également quelques enregistrements, dont un live à Montreux avec Steve Gadd à la batterie.

Par rapport au mode d'enregistrement en studio italien de ces années-là J'ai été surpris par la méthode américaine qui se concentrait principalement sur la spontanéité du contenu tout en laissant de côté certains détails de la forme.

Nous étions tous strictement en direct et toutes les prises, y compris celle-ci, ont même été enregistrées pendant que nous répétions les chansons.

L'intelligence artificielle ne pourra certainement pas fabriquer un Stradivarius ou un Gretcsh des années 1950, des instruments qui, avec leurs mérites indéniables et "peut-être" quelques défauts, ont caractérisé la musique classique et le jazz.

De nombreux batteurs, dans le cas des percussions, bien qu'ils soient des représentants de grandes marques, continuent d'utiliser des tambours des années 50/60/70.

Un peu comme pour le vin, il y a un passage obligé pour les papilles gustatives et l'odorat pour évaluer les bouteilles importantes, cela s'applique aussi à l'oreille, les vieux tambours pratiquement fabriqués à la main comme les vieux Ludwig, Gretcsh, Slingerland pour ne citer que les plus connus, ont un son et une personnalité uniques même en comparant le même tambour, la même taille et la même année, tous rigoureusement signés par l'assembleur avec la date de construction à côté.

C'est la différence fondamentale entre le neuf, qui a un bon son et une bonne finition, et les nuances uniques du vintage.

Percuotere o dirigere

Vous êtes-vous déjà demandé à quoi sert le chef d'orchestre si les musiciens ont la partition sous les yeux ? La réponse est une question : comment 60 ou 80 musiciens pourraient-ils attaquer la première note simultanément ? Cela dépend uniquement et exclusivement du geste du chef d'orchestre.

Les moments de silence absolu qui précèdent le début du son lui permettent de se concentrer sur la progression ou plutôt la vitesse métronomique de la pièce qui va être jouée, et aux musiciens de s'accorder parfaitement à son mouvement.

Cette gestuelle faite de nombreuses nuances, code exclusif entre l'orchestre et le chef, se poursuit pendant toute la durée de l'œuvre, offrant des excursions dynamiques dictées par l'amplitude du mouvement de la baguette, par l'incalcul de celle-ci dans l'accelerando, dans les sospensioni, dans le rallentando et ainsi de suite jusqu'au final.

Le rôle du batteur

Lorsqu'on assiste à un concert de jazz, de rock ou de pop, il arrive que l'on soit attiré par le batteur, ce personnage derrière les cymbales et la batterie qui bat le rythme et qui exécute souvent un solo avant la fin du concert.

Quel est votre rôle exact au sein d'un groupe ou d'un grand orchestre ? Les mêmes personnes qui disent "comment j'aurais aimé jouer de la batterie quand j'étais petit" ne se sont peut-être jamais posé cette question.

Ce qui frappe le profane, c'est la dextérité avec laquelle il bat les tambours et les cymbales à toute vitesse, attirant ainsi l'attention. En réalité, il s'agit d'un aspect secondaire, bien que fascinant ; le rôle décisif consiste à balayer le tempo avec fluidité et autorité, en donnant des références précises dans les changements de tempo et de dynamique, tout en adoptant des sonorités en accord avec le style musical.

Même la batterie s'en tient à une partition musicale aux références exclusivement rythmiques et non mélodiques, car elle n'a pas de tambours qui reproduisent les notes avec une hauteur précise. Tout cela semble facile lorsqu'on regarde un bon batteur jouer.

Batteur et chef d'orchestre

L'orchestre symphonique dispose d'une section de percussions généralement équipée de timbales symphoniques qui, contrairement aux tambours d'une batterie, s'accordent en produisant des notes précises, d'un xylophone, de cymbales de grosse caisse et d'effets divers. Mais que se passe-t-il lorsqu'il y a deux "chefs d'orchestre", comme dans le cas des orchestres rythmiques-symphoniques avec batteurs tels qu'on les voit souvent dans les concerts des festivals ou à la télévision ?

Après le début de la pièce, le développement rythmique est confié au batteur qui a pour tâche de soutenir ce grand ensemble comme une sorte de pilier, en jouant de manière régulière et en mettant ainsi tout l'orchestre à l'aise, toujours sous l'œil attentif du chef d'orchestre qui, par de petits gestes, suggère certaines nuances interprétatives dictées parfois par un fait émotionnel contingent.

Vidéo du concert de Noël au Vatican, année 2017, avec Patti Smith.

A la batterie, Salvatore Corazza avec le grand orchestre.