Die Perfektion, der größte Feind des Jazz(133 Mal gelesen)

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“Perfektion ist der Feind der Exzellenz” (…)
“Die Perfektion ist immer nur einen Schritt von der Perfektion entfernt” (…)
“Hätte ich darauf gewartet, perfekt zu sein, hätte ich nie ein Wort geschrieben” (Margaret Atwood)

WARUM PERFEKTION DER FEIND DES JAZZ IST

Jeder hofft, eines Tages perfekt zu sein. Mit perfekter Intonation zu spielen, perfekte Melodielinien, perfekter Klang … aber was wäre, wenn wir stattdessen daran denken würden, dass gerade die Vorstellung von Perfektion uns daran hindert? Dieses Streben nach Perfektion kann nicht nur unserem täglichen Üben schaden, sondern uns auch den Spaß und die Freude am Entdecken nehmen – den gesamten Lernprozess.

Jazz zu spielen ist eines der individuellsten Ziele, die wir uns setzen können. Denken wir nur einmal kurz an Charlie Parker, John Coltrane, Thelonious Monk, Oscar Peterson, Bill Evans … Jeder einzelne von ihnen ist absolut originell und einzigartig.

Doch oft ist die Art und Weise, wie Jazz unterrichtet wird, alles andere als individualistisch, als gäbe es eine “Standard”-Art, Jazz zu spielen und zu denken, mit allgemein anerkannten Normen dafür, was “gut” und was “schlecht” ist. Dass jeder Akkord eine bestimmte Tonleiter erfordert, jedes Instrument auf eine bestimmte Art und Weise gespielt werden muss und jeder Jazzmusiker die Musik auf ähnliche Weise angehen muss.

Aber die Vorstellung von Perfektion ist genau das: eine Vorstellung, die von unserem Umfeld, unseren Vorbildern, unseren Lehrern, Freunden und vor allem von uns selbst geschaffen und aufrechterhalten wird.

Mit der Zeit neigt diese Vorstellung von Perfektion – was den Klang, die Technik und sogar das Wesen des Jazz selbst betrifft – dazu, unsere Herangehensweise an die Musik zu lenken und einzuschränken.

WIE ENTSTEHT DIE VORSTELLUNG VON VOLLKOMMENHEIT?

Diese Vorstellung ist uns nicht von Geburt an gegeben; irgendwann werden wir neugierig und wollen wissen, was Perfektion eigentlich sein könnte…

Wir spielen Jazz wegen der Energie, die er uns vermittelt, weil wir uns von der Musik mitreißen lassen, aber je weiter wir mit dem Studium, der Analyse und der Rationalisierung voranschreiten, desto mehr erlischt die Flamme, die zuvor noch so hell brannte.

Alles beginnt mit der ersten Begeisterung für einen unserer musikalischen Helden…

Einen unserer Lieblingsmusiker nachzuahmen, zu kopieren und Stück für Stück zu analysieren, ist für den Lernprozess unerlässlich, doch oft verlieren wir uns in dem Musiker selbst und erheben ihn auf eine solche Ebene der Größe, die wir niemals zu erreichen hoffen können.

Unser musikalischer Held nimmt somit in unseren Köpfen diese Vorstellung von Perfektion ein, und alles, was wir mit unserem Instrument tun – von der Suche nach dem Klang über die Melodielinien und Phrasen bis hin zum Timing – müssen wir an ihm messen. Wir haben diese Vorstellung vom perfekten Musiker geschaffen, der alles auf die einzig “richtige Art” macht, und wir sind davon meilenweit entfernt.

Doch der Gedanke der Perfektion geht noch weiter. Während wir die Technik, den Klang und das Repertoire des Instruments erlernen, entsteht ein Bild von instrumentaler Perfektion, in dem wir uns ein Bild davon machen, was es bedeutet, “eine großartige Technik” oder einen “schönen Klang” zu haben – auch wenn diese Aspekte Teil der individuellen Interpretation sind. Oscar Peterson und Bill Evans zum Beispiel verfügen beide über eine großartige Technik und einen wunderschönen Klang, sind aber so völlig unterschiedlich, dass man sie schon an einer einzigen Note oder einem Akkord erkennen kann.

Wir gehen sogar so weit, dass wir uns in unseren Köpfen eine Vorstellung davon machen, was es bedeutet, Jazz “perfekt” zu spielen. Wir haben diese Vorstellung von der Perfektion des Jazz, die alles bestimmt, was wir tun – von den Stücken über die Soli, die wir transkribieren, bis hin zur allgemeinen Einstellung und zur eigentlichen Bedeutung dessen, “ein Jazzmusiker zu sein” oder einfach nur “ein Musiker zu sein”.

All diese Vorstellungen von Perfektion schaffen wir – bewusst oder unbewusst – aus einem Grund: um besser zu verstehen, was uns gefällt und was nicht, und um unserem Ideal näherzukommen, was theoretisch durchaus nützlich sein könnte.

Das Problem entsteht, wenn wir so sehr an unserer Vorstellung von Perfektion festhalten, dass wir unsere Individualität, Kreativität, Zufriedenheit und Neugier ablehnen – was dazu führt, dass wir den Mut verlieren und das Interesse daran verlieren.

Es ist diese Besessenheit von Perfektion, die uns geradewegs gegen eine Wand treibt, uns in einen Käfig aus Einschränkungen sperrt und genau den Motor zerstört, der uns eigentlich dazu antreiben sollte, mit Spaß am Lernen eine erfüllende Erfahrung zu machen.

 

 

Wie erkennen wir also diese Besessenheit und wie können wir sie überwinden?

 

WIE MAN DIE BESESSENHEIT VOM ’PERFEKTEN HELDEN” ÜBERWINDET”

Von unseren musikalischen Vorbildern zu lernen ist großartig und wahrscheinlich der direkteste Weg, die Sprache des Jazz zu erlernen. Indem wir zu den Aufnahmen der Meister spielen, nehmen wir Details auf, die sich weder verbal noch schriftlich vermitteln lassen.

Nutzen wir unsere Vorbilder, um uns inspirieren und motivieren zu lassen und um die inneren Mechanismen der Jazz-Improvisation zu verstehen. Nutzen wir sie, um unsere musikalische Persönlichkeit zu entdecken, zu definieren und zu gestalten.

Wenn wir jedoch das Gefühl haben, dass wir davon besessen werden, wenn wir das Gefühl haben, dass wir lieber so sein wollen wie sie als wie wir selbst, dann ist es an der Zeit, einen Blick in den Spiegel zu werfen.

 

3 SCHRITTE, UM UNS VON DER OBSESSION MIT DEM ’PERFEKTEN HELDEN” ZU BEFREIEN”

1. Wir unterscheiden uns bewusst von unseren Helden – Wir treffen Entscheidungen und entscheiden uns dafür, anders zu spielen als unsere Vorbilder. Wenn sie beispielsweise ein Stück im hohen Register spielen, spielen wir es im tiefen Register. Wenn sie laut spielen, spielen wir leise. Wenn sie schnell spielen, spielen wir langsam. Wir distanzieren uns von ihren Entscheidungen – so können wir unsere eigenen entdecken.

2. Lasst uns versuchen, unser musikalisches Ich zu entwickeln und zu definieren – Gewöhnen wir uns daran, von unseren Vorbildern so zu lernen, als würden wir von uns selbst lernen. Fragen wir uns zum Beispiel: Was gefällt mir an seiner Spielweise am besten? Was gefällt mir nicht? Was würde ich ändern? Was könnte ich hinzufügen? Oft nehmen wir alles, was sie spielen, als unumstößliche Wahrheit hin, nur weil sie Sie haben es gespielt. Lasst uns lieber etwas aus dem aufbauen, was uns gefällt, das, was uns nicht gefällt, beiseite lassen und das Material, das wir entdecken, zu unserem eigenen machen.

3. Wir probieren Neues aus und sind zuversichtlich – Fragen wir uns immer wieder: Wie kann ich das, was sie tun, aufgreifen und noch einen Schritt weitergehen?

Wir nutzen das, was wir von den Meistern lernen, um auf den Schultern der Giganten zu stehen – und nicht, um in ihrem Schatten zu bleiben.

 

Wir müssen die Dinge nicht genauso machen wie unsere Vorbilder. Ihr Ansatz zeigt nur eine einzige Möglichkeit auf, wie man etwas tun kann – inmitten einer unendlichen Weite von Möglichkeiten. Wir lernen von unseren Vorbildern, treffen aber unsere eigenen Entscheidungen darüber, welche Art von Musiker wir werden wollen, und schwimmen bewusst gegen den Strom.

 

WIE MAN DIE “INSTRUMENTELLE PERFEKTION” ÜBERWINDET”

Einer der Aspekte der Jazzimprovisation, der uns leicht in seinen Bann ziehen kann, ist eine beeindruckende Instrumentaltechnik. Wenn wir einen Bassisten wie Niels Pedersen oder einen Saxophonisten wie Michael Brecker hören, denken wir: “So muss ich auch spielen können! Diese Technik muss ich auch beherrschen!”.

Oder manchmal ist es etwas subtiler.

Als ich mein Studium am Konservatorium begann, wurde mir beigebracht, dass es eine Reihe von Fähigkeiten gibt, die man beherrschen muss, um ein guter Kontrabassist zu sein. Zum Beispiel ein klarer Klang, ein makelloser Bogen, der eng an der Saite liegt, perfekte Intonation … und das sind objektiv gesehen notwendige Dinge. Andere Dinge, wie zum Beispiel das ständige Vibrieren jedes Tons, sind das keineswegs und gehören meiner Meinung nach zu einer völlig unmusikalischen Ästhetik, auch wenn sie von einem Großteil der Musiker akzeptiert werden.

Zu lernen, intonationsgenau und mit einem klaren Klang zu spielen, Tonleitern und Arpeggien usw. zu beherrschen, ist ein notwendiger Schritt und vermittelt einen Eindruck davon, was es bedeutet, “eine gute Instrumentaltechnik zu haben”. Das ist ein guter Ausgangspunkt.

Oft wird dies jedoch nicht als Ausgangspunkt betrachtet, sondern als eine Reihe von Regeln, die wichtiger sind als alles andere und die unter allen Umständen eingehalten werden müssen; und wie im Fall der Auseinandersetzung mit unseren Vorbildern können wir leicht davon besessen werden, diesen technischen und instrumentalen Standard zu erreichen. Mit perfekter Intonation spielen, mit perfekter Technik spielen, mit perfektem Klang spielen.

Es besteht ein riesiger Unterschied zwischen dem täglichen Üben, um die Intonation und den Klang zu verbessern, und der Besessenheit, das Instrument unbedingt perfekt spielen zu MÜSSEN.

Im Jazz spielt vielleicht niemand im absoluten Sinne perfekt, was ein klassischer Musiker jedoch anstrebt. Oft ist die Intonation im Jazz unvollkommen, die hohen Töne klingen etwas schrill, oder die Artikulation ist möglicherweise etwas unklar.

Jazz ist keine perfekte Musik. Unsere Vorbilder sind nicht perfekt und leisten sich oft Fehler.

Auch wenn ein Jazzmusiker jeden Tag fleißig die Technik seines Instruments, die Intonation, den Klang usw. einübt, treten diese Aspekte der Musik bei Auftritten in den Hintergrund – im Gegensatz dazu, Risiken einzugehen, eine Geschichte zu erzählen und “musikalische Stimmungen” zu schaffen. Das sind Elemente des Jazz, die dazu dienen, mit dem Publikum zu kommunizieren.

 

Fürchte dich nicht vor Fehlern, es gibt keine (Miles Davis)

(Habt keine Angst vor Fehlern, denn es gibt sie nicht.)

 

Lassen wir die (falsche) Vorstellung hinter uns, dass es nur eine einzige richtige Art gibt, unser Instrument zu spielen, oder dass wir keine Fehler machen dürfen. Wir spielen Jazz, wir absolvieren kein Vorspiel für das Orchester der Scala…

3 SCHRITTE, UM SICH VON DER “INSTRUMENTELLEN PERFEKTION” ZU BEFREIEN”

1. Wir bleiben auf unserem Niveau – Jeder fängt einmal als Anfänger an, das ist eine Tatsache. Wir sollten uns mit unserem aktuellen Spielniveau wohlfühlen, aber gleichzeitig versuchen, kontinuierlich Fortschritte zu machen und unsere Spieltechnik zu verbessern. Wir sollten uns nicht frustriert fühlen, wenn wir noch nicht so laut, so schnell oder so präzise spielen können. Technik und Klang verbessern sich Tag für Tag, Schritt für Schritt.

2. Wir haben das Recht, Fehler zu machen – Der Jazz ist voll von sogenannten “Fehlern”. Diese sind ein Teil dessen, was diese Musik so großartig macht. Wir müssen nicht immer “auf Nummer sicher” spielen. Das Ziel ist es, zu improvisieren und “am Ball zu bleiben”. Deshalb lernen wir, loszulassen, konzentrieren uns auf unsere innere Stimme, gehen Risiken ein und versuchen, das zu spielen, was wir in uns spüren. Es geht nicht darum, unser Instrument absolut perfekt zu spielen, sondern darum, unsere innere Stimme zum Ausdruck zu bringen, eine Botschaft zu vermitteln und eine Geschichte zu erzählen.

3. Betrachten wir unser Instrument als eine lebenslange Reise – Wir haben unser ganzes Leben vor uns, um unsere Technik zu verbessern; das wird nie ein abgeschlossenes Projekt sein, sondern etwas, an dem wir jeden Tag arbeiten und bei dem wir langsam Fortschritte machen. Nehmen wir uns die nötige Zeit und erzielen wir “nachhaltige” Verbesserungen.

Lassen wir uns nicht von dem Zwang lähmen, unser Instrument perfekt spielen zu müssen; wir müssen lernen, improvisierte Melodien zu spielen und Soli mit Selbstvertrauen anzugehen. Integrieren wir stattdessen die Technikübungen in unser tägliches Üben.

 

WIE MAN DIE “JAZZ-PERFEKTION” ÜBERWINDET”

Was ist Jazz? Wenn wir 100 großartige Musiker fragen, werden wir sicherlich 100 verschiedene Antworten erhalten, aber wenn wir gerade lernen, Jazz zu spielen, wird es uns sicherlich nicht so vorkommen.

Manchmal scheint es, als müssten wir uns darüber Gedanken machen, was Jazz eigentlich ist, und ihn auf eine bestimmte Art und Weise spielen – als müssten wir eine bestimmte Liste von Musikern in einer bestimmten Reihenfolge studieren, eine bestimmte Sprache lernen, bestimmte Stücke spielen und uns dem Jazz auf eine bestimmte Art und Weise nähern, um ein “echter” Jazzmusiker zu sein…

 

Man muss sich vollständig von der Vorstellung lösen, was Jazz ist oder sein könnte.

“”Für mich bedeutet das Wort ‚Jazz‘: ‚Ich fordere dich heraus‘“ (W. Shorter)

“Für mich bedeutet das Wort ”Jazz‘: ICH FORDERE DICH HERAUS“ (W. Shorter)

Manche sagen vielleicht, wir müssten Funk, Rock ’n’ Roll, Salsa und alle Facetten des Jazz beherrschen, wenn wir Arbeit finden wollen, oder dass wir Tausende von Stücken kennen müssten, oder eine Menge anderer möglicher Mythen, aber die Wahrheit ist:

• Es gibt keine festen Regeln, an die sich Musiker halten müssen, um Jazz zu spielen, und es gibt nicht nur eine einzige Art, ihn zu spielen.
• Es gibt viele verschiedene Arten von Auftritten, einschließlich der Möglichkeit, unsere eigene Art zu entwickeln, und es gibt heutzutage keine einheitliche Art, Jazz zu spielen oder als Jazzmusiker zu arbeiten. Es liegt an uns zu entscheiden, was wir mit der Musik machen wollen, was uns gefällt und welche Richtung wir einschlagen wollen.

Wenn wir uns von den Definitionen des Jazz, die andere Menschen aufstellen, eingeengt fühlen, sollten wir diese Schritte befolgen, um uns davon zu befreien:

3 SCHRITTE, UM UNS VON DER “JAZZ-PERFEKTION” ZU BEFREIEN”

1. Wir widersetzen uns den Dogmen des Jazz – Es gibt keine einheitliche Definition von Jazz. Zeitschriften, Geschichtsbücher, Lehrer und andere versuchen zu definieren, was Jazz ist und welche Merkmale er aufweisen muss, um als Jazz zu gelten, aber das ist nur ihre Definition. Eine passendere Definition könnte lauten: “Eine musikalische Sprache, die von den Jazzmusikern der Vergangenheit geschaffen wurde, die in alle möglichen Richtungen weiterentwickelt und erweitert wurde – jede davon einzigartig – und vor allem eine Sprache, die uns überallhin führen kann.”.

2. Wir wollen herausfinden, was Jazz für uns bedeutet – Was bedeutet Jazz für uns? Je tiefer wir in die Musik eintauchen, desto mehr verändert sich die Antwort auf diese scheinbar einfache Frage – genau wie sich auch unsere Herangehensweise an die Musik verändert.

3. Kommen wir zur Sache – Was auch immer Jazz an diesem Punkt unserer Entwicklung bedeutet, versuchen wir, in diese Richtung zu gehen. Wir ignorieren die Grundlagen nicht, sondern versuchen, unsere eigene Sichtweise auf die Musik einzubringen. Wenn Jazz zum Beispiel vor allem bedeutet, interessante Melodien zu spielen, oder wenn es um synkopierte Rhythmen oder Polyrhythmik geht, dann gehen wir in diese Richtung. Was auch immer es ist – lassen wir uns davon inspirieren, um unser Studium darauf auszurichten. Sicher ist, dass Jazz nicht nur eine Sache ist: Er ist keine verstaubte Kunstform, die wir in Geschichtsbüchern finden.

 

WAHRE PERFEKTION: WIR AKZEPTIEREN UNVOLLKOMMENHEITEN UND SPIELEN MIT DEM HERZEN

Jazz besteht vor allem aus Unvollkommenheit als auch der Vollkommenheit. Wir müssen die Unvollkommenheit entdecken, sie akzeptieren und in unsere Sprache integrieren.

Um zu verstehen, was dieser Satz bedeutet, hören wir uns zum Beispiel John Coltrane an: Wir können ihn schon an der ersten Note erkennen, die er spielt – und zwar nicht, weil er perfekt ist, sondern gerade weil er es überhaupt nicht ist. Genauso erkennen wir den Klang eines Instruments an dem, was am unvollkommensten ist und am ehesten einem Geräusch ähnelt: dem Anschlag. Wir erkennen John Coltrane an seinen Unvollkommenheiten, an der Art, wie er die hohen Lagen erreicht, an einigen leicht verstimmten Tönen, an seiner Artikulation…

 

Es sind gerade die Unvollkommenheiten, die uns und unsere Stimme ausmachen.

Das bedeutet nicht, dass wir nicht daran arbeiten sollten, intoniert, mit schönem Klang oder mit der richtigen Artikulation zu spielen; es bedeutet vielmehr, dass wir uns, wenn wir daran arbeiten, intoniert, mit schönem Klang und gut artikuliert zu spielen, nicht an den unvermeidlichen Unvollkommenheiten festhalten, die in unserer Spielweise vorkommen können.

Unsere musikalischen Helden sind nicht perfekt, niemand spielt Jazz perfekt, und niemand kann genau definieren, was Jazz eigentlich ist. Perfektion im Jazz ist eine Illusion, also hören wir auf, uns selbst zu quälen. Erinnern wir uns daran, dass unsere Stimme im Jazz nicht in der Besessenheit von Perfektion liegt, sondern darin, unsere Unvollkommenheiten durch die tägliche Arbeit mit Neugier, Interesse, persönlicher Entdeckung und Freude an der Musik einzubeziehen.

 

DIE ANDERE SEITE DER MEDAILLE: DU MUSST DU SELBST SEIN (und reicht das schon?)

Natürlich gibt es Leute, die alles, was zuvor gesagt wurde, wörtlich nehmen, aber das bedeutet nicht, dass ihnen das in jedem Fall zum Vorteil gereicht. Seit einigen Jahren hört man in bestimmten Fernsehformaten immer wieder dasselbe “Du musst du selbst sein” o “Du musst spontan sein”. Meistens richten diese in der Fernsehsendung geäußerten Ideen, wenn sie auf den musikalischen Kontext übertragen werden, irreparablen Schaden an. Tatsächlich hört man oft Sänger, die falsch singen oder nicht im Takt sind, doch ihre “Coaches” sagen ihnen: “Du musst spontan sein.” Das Ergebnis ist, dass Dutzende von Jugendlichen, die sich dem Musikstudium nähern möchten, glauben, dass man, um Musiker zu werden, vor allem spontan sein muss – und zwar auf Kosten des Lernens, der Kenntnis der Musiktheorie, der Harmonielehre, der Recherche, des kritischen Zuhörens und der Kenntnis der Tradition. Zudem sind die als Vorbilder herangezogenen Musiker oft selbst sehr mittelmäßig, und einen mittelmäßigen Musiker zum Vorbild zu nehmen, trägt sicherlich nicht dazu bei, eine musikalische Persönlichkeit zu entwickeln.

Außerdem wird der Satz “Das fällt mir nicht von selbst ein” als Ausrede benutzt, um die Unfähigkeit, etwas zu tun, oder die Unkenntnis bestimmter Improvisationstechniken oder gewisse Defizite wie mangelndes Rhythmusgefühl, Unklarheit usw. zu vertuschen.

Spontaneität nützt ohne Wissen überhaupt nichts.
Heutzutage ist die Menge an kostenlos verfügbaren Informationen riesig, ja geradezu übermäßig – man muss nur einen Namen oder ein Musikgenre auf YouTube eingeben, und schon findet man Millionen von Audio- und Videoaufnahmen. Es wird sogar schwierig, sich für einen Titel zu entscheiden. Auch hier kommt die Notwendigkeit eines Lehrers ins Spiel, der einen bei der Auswahl der wesentlichen Dinge anleiten kann und keine Zeit mit Nebensächlichkeiten verschwendet. Auch wenn das zufällige Stöbern uns durchaus dazu führen kann, etwas Neues zu entdecken, kann eine gezielte Auswahl uns helfen, Fortschritte zu machen. Ganz gleich, welches Musikgenre wir spielen wollen – es gibt Dinge, die man nicht ignorieren darf. Wir können keine guten Jazzmusiker sein, wenn wir nicht wissen, A Kind Of Blue, nur um mal ein Beispiel zu nennen. Man kann nicht Kontrabass lernen, ohne Charles Mingus, Paul Chambers, Ray Brown, Charlie Haden, Oscar Pettiford zu kennen … aber ich würde hinzufügen: Egal, welches Instrument wir spielen, wir dürfen große Meister wie Charlie Parker, Thelonious Monk, Lester Young, John Coltrane, Bill Evans, Oscar Peterson, Red Garland, Joe Pass, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Billie Holiday und viele andere. Oder spielen wir nur klassische Musik? Dann dürfen wir die historischen Werke der größten Musiker der Vergangenheit nicht außer Acht lassen: Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven und tausend andere…

Oder besser gesagt: Wir haben zwar jedes Recht dazu, aber wir werden immer mittelmäßige und unwissende Musiker bleiben.

Leider hat sich durch Fernsehformate wie „X-Factor“ eine Generation von angehenden Musikern herausgebildet, die nicht die geringste Ahnung davon haben, was das bedeutet lernen ein Instrument, sondern sind im Gegenteil davon überzeugt, fast alles über Musik zu wissen. Und vor allem bringen sie das sehr spontan zum Ausdruck.