Eine kurze Geschichte des Klaviers(422 Mal gelesen)

Die Erfindung des Klaviers

Die Erfindung des Klaviers wird dem aus Padua stammenden Bartolomeo Cristofori (1655–1731) zugeschrieben, der im Dienst von Ferdinando de’ Medici, dem Großherzog der Toskana, als Verwalter der Musikinstrumente des Hauses stand.

Cristofori war ein erfahrener Baumeister von Cembalos und anderen Tasten- und Saiteninstrumenten; dieses Wissen über die Mechanik der Tastatur half ihm bei der Entwicklung der ersten Klaviere. 

Es ist nicht genau bekannt, wann Cristofori zum ersten Mal ein Klavier baute; ein von der Familie Medici erstelltes Inventar weist auf die Existenz eines Klaviers im Jahr 1700 hin; die drei von Cristofori gebauten Klaviere, die bis heute erhalten sind, stammen aus den 1720er Jahren. Cristofori nannte das Instrument “ein Cembalo aus Zypressenholz mit piano und forte”, was später zu „Fortepiano“ und schließlich zu „Pianoforte“ verkürzt wurde.

Cristoforis großer Erfolg beruhte auf der innovativen Konstruktion eines Saiten-Tasteninstruments, bei dem die Töne angeschlagen werden  von einem Hammer. 

Der Hammer sollte die Saite anschlagen, aber nicht in Kontakt mit ihr bleiben, da ein längerer Kontakt den Klang gedämpft hätte und die Saite daran gehindert hätte, zu schwingen und den Klang zu erzeugen. 

Nachdem der Hammer die Saite getroffen hat, muss er daher von den Saiten abprallen und ruckfrei in der Ruheposition zum Stillstand kommen, ohne mehrmals zurückzuspringen, und fast unmittelbar nach dem Drücken der Taste wieder spielbereit sein, damit der Pianist bei Bedarf dieselbe Note schnell wiederholen kann.

Die ersten Instrumente von Cristofori waren mit dünnen Saiten ausgestattet und konnten nicht die gleiche Lautstärke wie das moderne Klavier erzeugen; dennoch waren sowohl die erzeugte Lautstärke als auch die Dauer des Klangs deutlich höher als beim Clavichord, das bis dahin das einzige Tasteninstrument war, das dynamische Nuancen wiedergeben konnte, die dem Anschlag des Pianisten entsprechend von der Geschwindigkeit, mit der er die Tasten drückte, abhingen.  

Obwohl das Clavichord eine ausdrucksstarke Steuerung von Lautstärke und Nachklang ermöglichte, ist es relativ leise. Das zweimanualige Cembalo hingegen erzeugte einen ausreichend lauten Klang, wenn ein “Koppler” jede Taste mit beiden Manualen verband, bot jedoch keine expressive dynamische Steuerung der einzelnen Noten. 

Das Klavier vereinte gewissermaßen endlich das Beste der beiden vorherigen Instrumente und verband eine hohe Lautstärke mit einem großen Dynamikbereich, der sich je nach Anschlagstärke änderte.

Cristoforis neues Instrument blieb relativ unbekannt, bis ein italienischer Schriftsteller, Scipione Maffei, 1711 einen begeisterten Artikel darüber verfasste, der eine Skizze des Mechanismus enthielt; dieser Artikel wurde ins Deutsche übersetzt und weit verbreitet. Die meisten Klavierbauer der nachfolgenden Generation begannen ihre Arbeit mit der Lektüre dieses Artikels. 

Der Vorläufer des Stützpedals

Einer dieser Instrumentenbauer war Gottfried Silbermann, der vor allem als Orgelbauer bekannt war. Silbermanns Klaviere waren im Grunde direkte Kopien der Instrumente von Cristofori, mit einer wichtigen Ergänzung: Silbermann erfand nämlich den Vorläufer des modernen Sustain-Pedals, das alle Dämpfer gleichzeitig von den Saiten hebt. Diese Innovation ermöglichte es dem Pianisten, die angeschlagenen Töne auch nach dem Loslassen der Tasten weiterklingen zu lassen. So konnten Pianisten, während sie einen Akkord mit dem Sustain-Pedal hielten, ihre Hände auf einen anderen Bereich der Tastatur bewegen, um weitere Töne zu spielen.

Silbermann zeigte Johann Sebastian Bach in den 1730er Jahren eines seiner ersten Instrumente, doch Bach gefiel das Instrument damals nicht; er erklärte, die höchsten Töne seien zu zart, um einen vollen Dynamikbereich zu ermöglichen. Obwohl ihm dies eine gewisse Feindseligkeit seitens Silbermanns einbrachte, wurde seine Kritik berücksichtigt, sodass Bach später ein Klavier aus dem Jahr 1747 “absegnete” und sich schließlich sogar als Vertreter für den Verkauf von Silbermanns Klavieren engagierte. 

Die Wiener Schule und das Fortepiano

Der Klavierbau erlebte gegen Ende des 18. Jahrhunderts in der Wiener Schule eine Blütezeit, vor allem dank Johann Andreas Stein (der in Augsburg, Deutschland, tätig war) und der Klavierbauerin Nannette Streicher (Tochter von  Stein) und Anton Walter. Die Klaviere im Wiener Stil wurden mit Holzrahmen, zwei Saiten pro Note und mit Leder bezogenen Hämmern gebaut. Die Tastaturen dieser Wiener Klaviere wiesen eine umgekehrte Farbgebung im Vergleich zu modernen Klavieren auf: Die Tasten der “natürlichen” Töne waren schwarz und die der “veränderten” Töne weiß. Für diese Instrumente komponierte Wolfgang Amadeus Mozart seine Konzerte und Sonaten; es handelt sich um Instrumente, die auch heute noch nachgebaut werden, um den “authentischen” Klang der Mozart-Musik jener Zeit wiederzugeben. Die Klaviere aus Mozarts Zeit erzeugten einen Klang mit geringerer Intensität als moderne Klaviere. Der Begriff Fortepiano unterscheidet dieses historische Instrument von dem Klavier aus jüngerer Zeit.

Im Zeitraum von etwa 1790 bis 1860 erfuhr das Klavier der Mozart-Ära enorme Veränderungen, die zur modernen Bauweise des Instruments führten. Diese Revolution entsprach dem Wunsch der Komponisten und Pianisten nach einem kraftvolleren und länger anhaltenden Klavierton; ermöglicht wurde dies durch die im Gange befindliche industrielle Revolution, die neue Ressourcen wie hochwertigen Harmonikdraht für die Saiten und ein präziseres Gussverfahren zur Herstellung von Metallrahmen hervorbrachte, die der enormen Spannung der Saiten standhalten konnten. Auch der Tonumfang des Klaviers wurde schrittweise von den fünf Oktaven zu Mozarts Zeiten auf die sieben Oktaven moderner Klaviere erweitert.

Der Advent der sieben Oktaven

Um das Jahr 1777 schlossen sich die Schotten John Broadwood und Robert Stodart mit dem Niederländer Americus zusammen  Backers entwarfen und bauten ein Klavier, das in das Gehäuse eines Cembalos eingebaut war, woraus sich der Begriff “Flügel” ableitete. Auf diese Weise erlangten sie schnell einen ausgezeichneten Ruf für die ästhetische Pracht und den kraftvollen Klang ihrer Instrumente, während sie immer größere, robustere und klangvollere Klaviere anboten. Sie fertigten einige Klaviere für Joseph Haydn und Ludwig van Beethoven an und waren die ersten, die Klaviere mit einem Tonumfang von mehr als fünf Oktaven bauten, genauer gesagt: fünf Oktaven und eine Quinte im Jahr 1790, sechs Oktaven im Jahr 1810 (Beethoven nutzte die zusätzlichen Töne in seinen späteren Werken) und sieben Oktaven im Jahr 1820. Auch die Wiener Geigenbauer folgten diesem neuen Trend und opferten einen Teil der Lautstärke des Instruments zugunsten eines größeren Tonumfangs und einer größeren Ausdruckskraft. 

Die Doppelauspuffanlage

Um 1820 hatte sich das Zentrum der Klavierentwicklung nach Paris verlagert, wo die Firma Pleyel Klaviere herstellte, die später von Frédéric Chopin gespielt wurden, während die Firma Érard jene Klaviere produzierte, die später von Franz Liszt gespielt wurden. Im Jahr 1821 erfand Sébastien Érard das Doppelauspuff die es dank eines Repetitionshebels (Balancier genannt) ermöglichte, eine Note zu wiederholen, auch wenn die Taste noch nicht vollständig in ihre Ruheposition zurückgekehrt war. Dies erleichterte die schnelle Wiedergabe von Wiederholungsnoten enorm, und diese neue Fähigkeit des Instruments wurde sofort von Liszt genutzt. Die Doppelauslösung wurde so nach und nach zum Standard bei Flügeln, wo sie bis heute verwendet wird. Weitere Verbesserungen des Mechanismus umfassten die Verwendung von massiven Filzauskleidungen anstelle von Leder- oder Baumwollschichten. Filz, den Jean-Henri Pape erstmals 1826 in Klavieren verwendete, war ein robusteres Material, das mit zunehmendem Hammergewicht und steigender Saitenspannung einen größeren Dynamikbereich ermöglichte. Das moderne Sustain-Pedal, das eine größere Bandbreite an Effekten ermöglichte, wurde 1844 von Jean-Louis Boisselot erfunden und 1874 von Steinway übernommen. 

Die gusseiserne Harfe und die harmonische Saite

Eine Innovation, die zur Entstehung des kraftvollen Klangs des modernen Klaviers beigetragen hat, war die Verwendung eines massiven und widerstandsfähigen Gusseisenrahmens. Der auch als “Platte” bezeichnete Rahmen befindet sich oberhalb des Resonanzbodens und dient als wichtigster Schutz gegen die Kraft, die durch die Saitenspannung ausgeübt wird und bei einem modernen Flügel mehr als 20 Tonnen betragen kann. Der einteilige Gusseisenrahmen wurde 1825 in Boston von Alpheus Babcock patentiert. Babcock arbeitete später für die Firma Chickering & Mackay, die 1843 den ersten Vollmetallrahmen für Flügel patentierte. Rahmen aus geschmiedetem Verbundmetall wurden von vielen europäischen Herstellern bevorzugt, bis das amerikanische System zu Beginn des 20. Jahrhunderts vollständig übernommen wurde. Die höhere strukturelle Festigkeit des Metallrahmens ermöglichte den Einsatz dickerer, straffer gespannter und zahlreicherer Saiten. Im Jahr 1834 brachte die Firma Webster & Horsfal aus Birmingham eine Art von Stimmdraht aus gegossenem Stahl auf den Markt; dieser war dem Eisendraht so überlegen, dass das englische Unternehmen faktisch das Monopol auf die Herstellung von Saiten erlangte. Doch schon 1840 wurde von der Wiener Firma Martin Miller ein noch besserer Stahldraht entwickelt; es folgte eine Zeit der Innovation und des intensiven Wettbewerbs, in der rivalisierende Marken von Resonanzdraht gegeneinander auf die Probe gestellt wurden  der andere bei internationalen Wettbewerben, was schließlich zur modernen Form der Harmonik führte.

Der Sattel und die gekreuzten Saiten

Zu den bedeutenden Fortschritten zählten unter anderem Änderungen an der Besaitung des Klaviers. Die Verwendung eines “Chors” aus drei Saiten anstelle von zwei Saiten für alle Töne (mit Ausnahme der tiefsten Töne, die einsaidig besaitet waren) verstärkte die Fülle und Komplexität der hohen Töne. Die Verwendung eines Capo d’Astro (oder Kapodasters) anstelle von Klammern in den höchsten Tönen ermöglichte es den Hämmern, die Saiten in ihrer optimalen Position anzuschlagen, wodurch die Klangstärke in diesem Bereich erheblich gesteigert wurde. Die Einführung des Kreuzbesaitungssystems (Over-Stringing oder Cross-Stringing), bei dem die Saiten auf zwei getrennten Ebenen angeordnet sind, von denen jede über einen eigenen Steg verfügt, ermöglichte eine größere Saitenlänge im Bassbereich und optimierte den Übergang von den ungewickelten Saiten der hohen Lagen zu den mit Eisen oder Kupfer umwickelten Basssaiten. Das Over-Stringing wurde in den 1820er Jahren von Pape erfunden und 1859 von Henry Steinway Junior erstmals für den Einsatz in Flügeln in den Vereinigten Staaten patentiert.

Einige Klavierbauer führten Modifikationen ein, um den Klang jeder einzelnen Note zu verbessern, darunter Pascal Taskin (1788), Collard & Collard (1821) und Julius Blüthne, der 1893 die Aliquot-Besaitung entwickelte.

Diese Systeme wurden eingesetzt, um den Klang der höchsten Register des Klaviers zu verstärken, der bis dahin als zu schwach galt. Jedes dieser Systeme nutzte deutlich schrillere und ungedämpfte Schwingungen von Saiten, die durch Resonanz mitschwangen, um den Klang zu ergänzen – mit Ausnahme der Blüthner-Aliquot-Saiten, bei denen in den beiden obersten hohen Registern eine zusätzliche vierte Saite zum Einsatz kam. In dem Bestreben, diese Effekte nachzuahmen, erfand Theodore Steinway das Duplex-Scaling, um die Schwingungen zu verstärken, um Sympathie.

Das quadratische Klavier

Einige der ersten Klaviere hatten Formen und  Konstruktionen, die heute nicht mehr verwendet werden; das sogenannte quadratische Klavier (das eigentlich nicht quadratisch, sondern rechteckig war) war über den Hämmern kreuzförmig gespannt und wies einen extrem spitzen Winkel auf, wobei die Tastatur entlang der Längsseite angeordnet war. Diese Konstruktion wird Christian Ernst Friderici (einem Schüler von Gottfried Silbermann in Deutschland) und Johannes Zumpe (in England) zugeschrieben und wurde durch Änderungen verbessert, die erstmals von Guillaume-Lebrecht Petzold in Frankreich und von Alpheus Babcock in den Vereinigten Staaten eingeführt wurden. Quadratische Klaviere wurden zwischen 1840 in Europa und 1890 in den Vereinigten Staaten in großer Zahl gebaut und stellten die auffälligste Veränderung im Klavierstil dar: Die von Steinway & Sons hergestellten Flügel mit Eisenrahmen und Überzugssaiten waren doppelt so voluminös wie die Instrumente mit Holzrahmen aus dem vorangegangenen Jahrhundert. Ihre überwältigende Beliebtheit war auf die Bauweise und den relativ günstigen Preis zurückzuführen, obwohl ihr Klang und ihre Spielbarkeit durch schmale Resonanzböden, eine einfache Mechanik und den Saitenabstand eingeschränkt waren, der die korrekte Ausrichtung der Hämmer erschwerte.

Der vertikale Flügel 

Der vertikale Flügel mit senkrechten Saiten war wie der horizontale Flügel aufgebaut, mit dem Resonanzboden und den Stegen über den Tasten und den Stimmwirbeln darunter; daher waren sie sehr hoch und trugen vielsagende Namen wie ’Giraffenklavier“ oder ”Pyramidenklavier“; oft wurden sie passend zu ihrem Namen verziert; es wurde im 19. Jahrhundert gebaut. Das winzige vertikale Spinett wurde von Mitte der 1930er Jahre bis in die jüngste Zeit hergestellt. Die niedrige Position der Hämmer erforderte den Einsatz einer „Fallmechanik“, um eine angemessene Höhe der Tastatur zu gewährleisten. 

Das moderne Klavier

Die modernen Klaviere und Flügel haben ihre heutige Form bis zum Ende des 19. Jahrhunderts angenommen; seither wurden Verbesserungen an den Herstellungsverfahren vorgenommen, und viele Details des Instruments entwickeln sich weiterhin weiter.

Einige akustische Klaviere sind seit den 2010er Jahren mit MIDI-Schnittstellen und einem digitalen Audiomodul ausgestattet.

Sich weiterentwickelnde Stile

Viele Komponisten der klassischen Musik, darunter Haydn, Mozart und Beethoven, komponierten für das Fortepiano, ein Instrument, das sich deutlich vom modernen Klavier unterscheidet. Auch die Komponisten der Romantik, wie Franz Liszt, Frédéric Chopin, Clara und Robert Schumann, Fanny und Felix Mendelssohn sowie Johannes Brahms, schrieben für Klaviere, die sich stark von den modernen Klavieren unterschieden. Zeitgenössische Musiker müssen daher ihre Interpretation historischer Kompositionen aus dem 17. bis 19. Jahrhundert an die Unterschiede in Klangqualität und Spieltechnik anpassen.

Seit Beethoven entwickelte sich das Fortepiano zu einem Instrument, das dem modernen Klavier der 2000er Jahre ähnlicher war und Ende des 19. Jahrhunderts weit verbreitet war. Es verfügte über einen größeren Oktavumfang als das frühere Fortepiano, da das Instrument um etwa 30 Tasten erweitert wurde, wodurch sich der  der tiefe Bassbereich und der hohe Tonbereich. Durch die Massenproduktion von Klavieren wurden diese für einen größeren Teil der Mittelschicht erschwinglicher. Im 19. Jahrhundert tauchten sie in Musikhallen und Kneipen auf und sorgten dort für Unterhaltung, sei es durch einen Klaviersolisten oder in Kombination mit einer kleinen Tanzband. So wie Cembalisten Sänger oder Tänzer auf der Bühne begleitet oder zu Tanzveranstaltungen gespielt hatten, übernahmen Pianisten diese Rolle Ende des 18. Jahrhunderts und in den folgenden Jahrhunderten.

Im 19. Jahrhundert entwickelten amerikanische Musiker, die in kleinen Kneipen und Bars vor einem Publikum aus der Arbeiterklasse auftraten – insbesondere afroamerikanische Komponisten –, neue Musikgenres, die auf dem modernen Klavier basierten. Die Ragtime-Musik, die durch Komponisten wie Scott Joplin populär wurde, erreichte um 1900 ein breiteres Publikum; die Popularität des Ragtime wurde jedoch schnell vom Jazz-“Pianismus” abgelöst. Für das Klavier wurden neue Techniken und Rhythmen erfunden, darunter das sogenannte “Ostinato” für den Boogie-Woogie und das Voicing von Shearing. George Gershwins „Rhapsody in Blue“ eröffnete neue musikalische Horizonte, indem es das amerikanische Jazzklavier mit symphonischen Klängen verband. Das Comping, eine Technik zur Begleitung von Sängern und anderen Jazz-Solisten am Klavier, wurde durch die Spielweise von Duke Ellington veranschaulicht. Die Honky-Tonk-Musik, die sich durch einen anderen Rhythmusstil am Klavier auszeichnet, ihren Ursprung im Blues hat und als Vorläuferin des Rock’n’Roll gilt, wurde in derselben Zeit populär. Die Techniken des Bebop entstanden aus dem Jazz, mit bedeutenden Komponisten und Pianisten wie Thelonious Monk und Bud Powell. Ende des 20. Jahrhunderts komponierte Bill Evans Stücke, die klassische Techniken mit seinen jazzigen Experimenten verbanden. In den 1970er Jahren war Herbie Hancock einer der ersten Jazzkomponisten und -pianisten, der mit neuen Techniken der urbanen Musik wie Jazz-Funk, Jazz-Rock und anderen ’Fusion“-Genres (Verschmelzung von Genres und musikalischen Strömungen zu einem neuen hybriden Stil) Popularität erlangte.

Klaviere spielten auch im Rock ’n’ Roll und in der Rockmusik eine herausragende Rolle, unter anderem bei Künstlern wie Jerry Lee Lewis, Little Richard, Keith Emerson (Emerson, Lake & Palmer), Elton John, Ben Folds, Billy Joel, Nicky Hopkins und Tori Amos, um nur einige zu nennen. Die modernistischen Musikstile haben auch das Schaffen von Komponisten inspiriert, die für den modernen Flügel schreiben, darunter John Cage und Philip Glass.

Die mechanische Mechanik des Klaviers wurde 1826 in London, England, von Robert Wornum erfunden, und die Klaviermodelle entwickelten sich zum beliebtesten und am weitesten verbreiteten Modell für den Hausgebrauch. 

Die Rolle des Klaviers

Das Klavier war im 19. Jahrhundert der Mittelpunkt des gesellschaftlichen Lebens in den Häusern der oberen Mittelschicht.

Es ist ein wichtiges Instrument in der westlichen klassischen Musik, im Jazz, im Blues, im Rock, in der Volksmusik und in vielen anderen westlichen Musikrichtungen. Klaviere werden in solistischen oder melodischen Rollen oder auch als Begleitinstrumente eingesetzt. Darüber hinaus können Klaviere solo, im Duett mit einem Sänger oder einem anderen Instrument, in kleinen Gruppen (Bands und Kammermusikensembles) sowie in großen Ensembles (Big Bands oder Orchester) gespielt werden. 

Viele Komponisten und Liedermacher sind versierte Pianisten, da die Klaviatur ein wirkungsvolles Mittel darstellt, um komplexe melodische und harmonische Wechselwirkungen von Akkorden auszuprobieren und mehrere unabhängige Melodielinien gleichzeitig zu spielen. Klaviere werden von Komponisten verwendet, die Filmmusik und Fernsehmusik komponieren, da der große Tonumfang es den Komponisten ermöglicht, Melodien und Basslinien auszuprobieren, auch wenn die Musik später für andere Instrumentalbesetzungen orchestriert wird.

Dirigenten von Orchester- und Chorensembles lernen oft, Klavier zu spielen, da es ein hervorragendes Instrument ist, um das Einstudieren neuer Stücke und Lieder zu unterstützen, die sie während der Aufführung dirigieren sollen. Viele Orchesterleiter verfügen zudem über eine Klavierausbildung, die es ihnen ermöglicht, eine Zusammenfassung der Stimmen der Orchesterwerke, die sie dirigieren werden, zu spielen (oft unter Verwendung einer “Klavierauszug”), um so die interpretatorischen Kriterien auszuarbeiten, bevor sie diese an die Orchestermitglieder weitergeben.

Das Klavier ist ein unverzichtbares Instrument in der musikalischen Ausbildung. Die meisten Musikräume und viele Proberäume verfügen über ein fest installiertes Klavier. Klaviere werden als Hilfsmittel für den Unterricht in Musiktheorie und Musikgeschichte sowie für den Musikunterricht eingesetzt; daher haben auch Musiklehrer, die selbst keine Pianisten sind, oft ein Klavier in ihrem Büro.