Une brève histoire du piano(Letto 523 volte)

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L'invention du piano

L'invention du piano est attribuée au Padouan Bartolomeo Cristofori (1655-1731), employé par Ferdinand de Médicis, Grand Prince de Toscane, comme gardien des instruments de musique de la famille.

Cristofori était un expert en construction de clavecins et d'autres instruments à clavier et à cordes ; cette connaissance des mécanismes du clavier l'a aidé à développer les premiers pianos. 

On ne sait pas exactement quand Cristofori a construit son premier piano ; un inventaire de la famille Médicis indique l'existence d'un piano en 1700 ; les trois pianos survivants construits par Cristofori datent des années 1720. Cristofori appelait l'instrument « un clavecin en cyprès avec piano et forte », plus tard abrégé en fortepiano puis en pianoforte.

Le grand succès de Cristofori a été déterminé par la conception innovante d'un instrument à clavier à cordes, dans lequel les notes sont frappées  d'un marteau. 

Le marteau devait frapper la corde, mais ne pas rester en contact avec elle, car un contact prolongé amortirait le son en empêchant la corde de vibrer et de produire du son. 

Après avoir frappé la corde, le marteau doit donc rebondir sur les cordes et s'arrêter en douceur dans sa position de repos, en évitant de rebondir à plusieurs reprises et en étant prêt à jouer à nouveau presque immédiatement après avoir appuyé sur sa touche, afin que le pianiste puisse répéter rapidement la même note, si nécessaire.

Les premiers instruments de Cristofori étaient fabriqués avec des cordes fines et n'étaient pas capables de produire le même volume qu'un piano moderne ; cependant, le volume produit et la durée du son soutenu étaient significativement plus élevés que ceux obtenus avec le clavicorde, qui jusqu'alors était le seul instrument à clavier capable de reproduire des nuances dynamiques qui répondaient au toucher du pianiste par la vitesse à laquelle il appuyait sur les touches.  

Bien que le clavicorde permette un contrôle expressif du volume et du sustain, il était relativement silencieux. Le clavecin à deux claviers, en revanche, produisait un son suffisamment puissant lorsqu'un « coupleur » reliait chaque touche des deux claviers, mais il n'offrait aucun contrôle dynamique expressif des notes individuelles. 

Le piano offrait enfin, en un sens, le meilleur des deux instruments précédents, combinant un volume élevé avec une grande plage dynamique en réponse au toucher.

Le nouvel instrument de Cristofori resta relativement méconnu jusqu'à ce qu'un écrivain italien, Scipione Maffei, écrive en 1711 un article enthousiaste à son sujet, accompagné d'un schéma de la mécanique, qui fut traduit en allemand et largement diffusé. La plupart des facteurs de pianos de la génération suivante commencèrent leur travail en lisant cet article. 

L'ancêtre de la pédale de sustain

Parmi ces facteurs figurait Gottfried Silbermann, plus connu comme facteur d'orgues. Les pianos de Silbermann étaient pour l'essentiel des copies conformes de ceux de Cristofori, avec un ajout important : il inventa le précurseur de la pédale de sustain moderne, qui soulève simultanément tous les étouffoirs des cordes. Cette innovation permettait au pianiste de maintenir les notes enfoncées même après avoir relâché les touches. Ainsi, en maintenant un accord avec la pédale de sustain, les pianistes pouvaient déplacer leurs mains vers un autre registre du clavier pour jouer d'autres notes.

Silbermann montra à Johann Sebastian Bach l'un de ses premiers instruments dans les années 1730, mais ce dernier l'apprécia à l'époque, expliquant que les notes aiguës étaient trop délicates pour permettre une gamme dynamique complète. Bien que cela lui ait valu une certaine animosité de la part de Silbermann, la critique fut entendue, à tel point que Bach « approuva » plus tard un piano de 1747 et finit même par devenir représentant commercial pour les pianos de Silbermann. 

L'école viennoise et le pianoforte

La construction de pianos a prospéré à la fin du XVIIIe siècle dans l'école viennoise, sous la direction de Johann Andreas Stein (qui travaillait à Augsbourg, en Allemagne) et des facteurs Nannette Streicher (fille de  Stein) et Anton Walter. Les pianos viennois étaient construits avec des cadres en bois, deux cordes par note et des marteaux gainés de cuir. Les claviers de ces pianos viennois étaient colorés à l'opposé de ceux des pianos modernes : les touches des notes « naturelles » étaient noires et les touches des notes « altérées » étaient blanches. C'est pour ces instruments que Wolfgang Amadeus Mozart composa ses concertos et ses sonates ; ces instruments sont encore reproduits aujourd'hui pour reproduire le son « authentique » de la musique de Mozart de l'époque. Les pianos de l'époque de Mozart produisaient un son moins intense que les pianos modernes. Le terme pianoforte distingue cet instrument vintage du piano d'une époque plus récente.

Entre 1790 et 1860 environ, le piano de l'époque de Mozart subit d'importantes transformations qui aboutirent à sa structure moderne. Cette révolution répondait au désir des compositeurs et des pianistes d'obtenir un son plus puissant et plus soutenu ; elle fut rendue possible par la révolution industrielle en cours, qui apporta de nouvelles ressources telles que des cordes à piano de haute qualité et un procédé de moulage plus précis pour la fabrication de cadres métalliques capables de supporter l'énorme tension des cordes. La tessiture du piano s'étendit également progressivement, passant des cinq octaves de Mozart aux sept octaves des pianos modernes.

L'avènement des sept octaves

Vers 1777, les Écossais John Broadwood et Robert Stodart rejoignirent le Hollandais Americus  Les Backers ont conçu et construit un piano intégré dans un meuble de clavecin, donnant naissance au terme « piano à queue ». Ils se sont rapidement fait connaître pour la splendeur esthétique et la puissance sonore de leurs instruments, tout en développant des instruments toujours plus grands, robustes et sonores. Ils ont construit des pianos pour Joseph Haydn et Ludwig van Beethoven et ont été les premiers à fabriquer des pianos d'une tessiture de plus de cinq octaves : cinq octaves et une quinte en 1790, six octaves en 1810 (Beethoven a utilisé ces notes supplémentaires dans ses œuvres ultérieures) et sept octaves en 1820. Les luthiers viennois ont également suivi cette nouvelle tendance, sacrifiant une partie du volume de l'instrument au profit d'une tessiture et d'une puissance expressive accrues. 

Le double échappement

En 1820, le centre de l'évolution du piano s'était déplacé à Paris, où la société Pleyel produisait des pianos, les mêmes que ceux qui furent plus tard utilisés par Frédéric Chopin, tout comme la société Érard produisit ceux qui furent utilisés plus tard par Franz Liszt. En 1821, Sébastien Érard inventa le double échappement Grâce à un levier de répétition (appelé balancier), une note pouvait être répétée même si la touche n'était pas encore complètement revenue à sa position de repos. Cela facilitait grandement la reproduction rapide des notes répétées, et cette nouvelle capacité de l'instrument fut immédiatement exploitée par Liszt. Le mécanisme à double échappement devint ainsi progressivement la norme sur les pianos à queue, où il est encore utilisé aujourd'hui. Parmi les autres améliorations apportées au mécanisme, on peut citer l'utilisation de revêtements en feutre massif au lieu de couches de cuir ou de coton. Le feutre, que Jean-Henri Pape fut le premier à utiliser sur les pianos de 1826, était un matériau plus robuste qui permettait des plages dynamiques plus larges à mesure que le poids des marteaux et la tension des cordes augmentaient. La pédale de sostenuto moderne, qui permettait une plus grande variété d'effets, fut inventée en 1844 par Jean-Louis Boisselot et copiée par Steinway en 1874. 

La harpe en fonte et le fil harmonique

Une innovation qui a contribué à la puissance sonore du piano moderne a été l'utilisation d'un cadre en fonte solide et durable. Également appelé « plaque », ce cadre repose sur la table d'harmonie et constitue le principal rempart contre la force exercée par la tension des cordes, qui, sur un piano à queue moderne, peut dépasser 20 tonnes. Ce cadre monobloc en fonte a été breveté en 1825 à Boston par Alpheus Babcock. Babcock a ensuite travaillé pour Chickering & Mackay, l'entreprise qui a breveté le premier cadre métallique massif pour pianos à queue en 1843. Les cadres en métal forgé composite ont été privilégiés par de nombreux fabricants européens jusqu'à l'adoption complète du système américain au début du XXe siècle. La plus grande intégrité structurelle du cadre métallique a permis l'utilisation de cordes plus épaisses, plus tendues et plus nombreuses. En 1834, l'entreprise birmande Webster & Horsfal a introduit une forme de corde à piano en acier moulé ; sa supériorité par rapport au fil de fer était telle que l'entreprise anglaise a obtenu le monopole de la fabrication des cordes. Mais un fil d'acier encore meilleur fut bientôt développé en 1840 par la société viennoise Martin Miller ; une période d'innovation et de concurrence intense s'ensuivit, avec des marques rivales de fil à piano s'opposant les unes aux autres.  l'autre dans des compétitions internationales, menant finalement à la forme moderne de la corde à piano.

Le sillet et les cordes croisées

Plusieurs avancées importantes ont notamment modifié la façon dont les cordes du piano étaient montées. L'utilisation d'un « chœur » de trois cordes, au lieu de deux pour toutes les notes sauf les plus graves et monotones, a accru la richesse et la complexité des aigus. L'utilisation d'une barre de capodastre (ou capotasto) au lieu de barrettes dans les aigus les plus aigus a permis aux marteaux de frapper les cordes dans leur position optimale, augmentant ainsi considérablement la puissance du son dans cette zone. La mise en œuvre du système de surcordage (ou cross-stringing), où les cordes sont positionnées sur deux plans distincts, chacun doté de son propre chevalet, a permis d'augmenter la longueur des cordes graves et d'optimiser la transition entre les cordes aiguës non filées et les cordes graves filées en fer ou en cuivre. Le surcordage a été inventé par Pape dans les années 1820 et breveté pour la première fois pour les pianos à queue aux États-Unis par Henry Steinway Junior en 1859.

Certains facteurs de pianos ont ajouté des variations pour améliorer le son de chaque note, comme Pascal Taskin (1788), Collard & Collard (1821) et Julius Blüthne, qui a développé le cordage Aliquot en 1893.

Ces systèmes servaient à renforcer le son du registre le plus aigu du piano, jusque-là jugé trop faible. Chacun d'eux utilisait des vibrations plus distinctes et non amorties provenant de cordes vibrant par sympathie pour amplifier le son, à l'exception des cordes Blüthner Aliquot, qui utilisent une quatrième corde supplémentaire dans les deux sections aiguës supérieures. Soucieux de reproduire ces effets, Theodore Steinway a inventé la mise à l'échelle duplex pour amplifier les vibrations. sympathie.

Le piano carré

Certains des premiers pianos avaient des formes et  Modèles aujourd'hui abandonnés ; le piano dit carré (qui n'était pas carré, mais rectangulaire) était étiré transversalement à un angle extrêmement aigu au-dessus des marteaux, le clavier étant disposé le long du côté long. Ce modèle est attribué à Christian Ernst Friderici (élève de Gottfried Silbermann en Allemagne) et à Johannes Zumpe en Angleterre, et a été amélioré par les innovations de Guillaume-Lebrecht Petzold en France et d'Alpheus Babcock aux États-Unis. Les pianos carrés furent fabriqués en grand nombre entre 1840 en Europe et 1890 aux États-Unis et constituèrent le changement le plus radical dans le style pianistique : les pianos carrés à cadre en fer et à cordes produits par Steinway & Sons étaient deux fois plus grands que les instruments à cadre en bois du siècle précédent. Leur immense popularité était due à leur construction et à leur prix relativement abordable, bien que leur sonorité et leurs performances soient limitées par des tables d'harmonie étroites, une mécanique rudimentaire et un espacement des cordes qui rendaient difficile l'alignement correct des marteaux.

Le piano à queue droit 

Le piano à queue droit, à cordes verticales, était construit comme le piano à queue horizontal : la table d'harmonie et le chevalet étaient situés au-dessus des touches et les chevilles d'accordage en dessous. De ce fait, ils étaient très hauts et portaient des noms évocateurs tels que piano girafe ou piano pyramide, souvent décorés en conséquence. Il a été construit au XIXe siècle. La petite épinette verticale a été produite du milieu des années 1930 jusqu'à récemment. La position basse des marteaux nécessitait l'utilisation d'une mécanique à ressort pour maintenir une hauteur de clavier raisonnable. 

Le piano moderne

Les pianos droits et à queue modernes ont atteint leur forme actuelle à la fin du XIXe siècle ; des améliorations ont été apportées aux processus de fabrication depuis, et de nombreux détails de l'instrument continuent d'évoluer.

Certains pianos acoustiques des années 2010 sont équipés d'interfaces MIDI et d'un module de son numérique.

Évolution des styles

De nombreux compositeurs classiques, dont Haydn, Mozart et Beethoven, ont composé pour le pianoforte, un instrument très différent du piano moderne. Même des compositeurs du mouvement romantique, tels que Franz Liszt, Frédéric Chopin, Clara et Robert Schumann, Fanny et Felix Mendelssohn, et Johannes Brahms, ont écrit pour des pianos très différents des pianos modernes. Les musiciens contemporains doivent donc adapter leurs interprétations des compositions historiques de 1600 à 1800 afin de tenir compte des différences de qualité sonore et de technique de jeu.

À partir de Beethoven, le pianoforte a évolué vers un instrument plus proche du piano moderne des années 2000, largement utilisé à la fin du XIXe siècle. Il offrait une tessiture d'octaves plus large que le pianoforte précédent, ajoutant environ 30 touches supplémentaires à l'instrument, ce qui étendait la  Les pianos droits, quant à eux, jouaient des graves profonds et des aigus. La production populaire de pianos droits les rendit accessibles à un plus grand nombre de membres de la classe moyenne. Ils apparurent dans les music-halls et les pubs au XIXe siècle, offrant un divertissement avec un pianiste soliste ou en association avec un petit orchestre de danse. Tout comme les clavecinistes accompagnaient chanteurs ou danseurs sur scène ou lors de bals, les pianistes assumèrent ce rôle à la fin du XVIIIe siècle et au cours des siècles suivants.

Au XIXe siècle, des musiciens américains, jouant pour un public ouvrier dans de petits pubs et bars, notamment des compositeurs afro-américains, ont développé de nouveaux genres musicaux basés sur le piano moderne. Le ragtime, popularisé par des compositeurs comme Scott Joplin, a atteint un public plus large dans les années 1900 ; sa popularité a rapidement été supplantée par le jazz. De nouvelles techniques et de nouveaux rythmes ont été inventés pour le piano, notamment l'« ostinato » pour le boogie-woogie et Sonorisation La Rhapsody in Blue de George Gershwin a innové dans la musique en combinant le piano jazz américain avec des sons symphoniques. Comping, une technique d'accompagnement au piano des chanteurs et autres solistes de jazz, était illustrée par la technique de Duke Ellington. La musique honky-tonk, caractérisée par un style rythmique différent au piano, emprunté au blues et précurseur du rock 'n' roll, devint populaire à la même époque. Les techniques du be-bop naquirent du jazz, avec des compositeurs-pianistes de renom tels que Thelonious Monk et Bud Powell. À la fin du XXe siècle, Bill Evans composa des pièces alliant techniques classiques et expérimentations jazz. Dans les années 1970, Herbie Hancock fut l'un des premiers compositeurs-pianistes de jazz à se faire connaître grâce aux nouvelles techniques de musique urbaine, telles que le jazz-funk, le jazz-rock et d'autres genres « fusion » (une fusion de genres et de courants musicaux dans un nouveau style hybride).

Le piano a également été largement utilisé dans le rock and roll et la musique rock par des artistes tels que Jerry Lee Lewis, Little Richard, Keith Emerson (Emerson, Lake & Palmer), Elton John, Ben Folds, Billy Joel, Nicky Hopkins et Tori Amos, pour n'en citer que quelques-uns. Les styles musicaux modernistes ont également inspiré l'œuvre de compositeurs écrivant pour le piano à queue moderne, notamment John Cage et Philip Glass.

La structure mécanique du piano droit a été inventée à Londres, en Angleterre, en 1826 par Robert Wornum, et les modèles droits sont devenus le modèle le plus populaire et le plus répandu pour un usage domestique. 

Rôle du piano

Le piano était le centre de la vie sociale dans les foyers de la classe moyenne supérieure du XIXe siècle.

C'est un instrument important de la musique classique occidentale, du jazz, du blues, du rock, de la musique folk et de nombreux autres genres musicaux occidentaux. Le piano est utilisé en solo, en musique mélodique ou comme instrument d'accompagnement. De plus, il peut être joué seul, en duo avec un chanteur ou un autre instrument, en petits groupes (orchestres et formations de chambre) et en grandes formations (big band ou orchestre). 

De nombreux compositeurs et auteurs-compositeurs sont des pianistes talentueux, car le clavier du piano offre un moyen efficace d'expérimenter des interactions d'accords mélodiques et harmoniques complexes et d'interpréter simultanément plusieurs lignes mélodiques indépendantes. Le piano est utilisé par les compositeurs de musiques de films et de séries télévisées car sa large tessiture leur permet d'expérimenter mélodies et lignes de basse, même si la musique sera ensuite orchestrée pour d'autres ensembles instrumentaux.

Les chefs d'orchestre et de chœur apprennent souvent le piano, car c'est un excellent instrument pour accompagner l'apprentissage de nouvelles pièces et de nouveaux chants à diriger pendant les concerts. Nombre d'entre eux ont également suivi une formation pianistique, ce qui leur permet de jouer un résumé des parties des pièces orchestrales qu'ils dirigeront (souvent à l'aide d'une « réduction pour piano »), ce qui leur permet de développer des critères d'interprétation avant de les transmettre aux musiciens de l'orchestre.

Le piano est un instrument essentiel à l'éducation musicale. La plupart des salles de classe et de répétition sont équipées d'un piano. Utilisé comme support pour l'enseignement du solfège et de l'histoire de la musique, ainsi que dans les cours d'éducation musicale, il est fréquent que même les professeurs de musique non pianistes en aient un dans leur bureau.