La perfection, le plus grand ennemi du jazz(Letto 90 volte)

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“ La perfection est l'ennemie de l'excellence ” (...)
“ La perfection est toujours à un pas de la perfection ” (...)
“ Si j'avais attendu d'être parfaite, je n'aurais jamais écrit un seul mot ” (Margaret Atwood)

PARCE QUE LA PERFECTION EST L'ENNEMI DU JAZZ

Tout le monde espère atteindre un jour la perfection. Jouer avec une intonation parfaite, des lignes parfaites, un son parfait... Mais si nous considérions plutôt que l'idée même de perfection est ce qui nous retient ? Cette aspiration à la perfection peut non seulement nuire à notre pratique quotidienne, mais aussi nous priver du plaisir et de la joie de la découverte, de tout le processus d'apprentissage.

Jouer du jazz est l'une des aspirations les plus individuelles auxquelles nous pouvons nous adonner. Pensons un instant à Charlie Parker, John Coltrane, Thelonious Monk, Oscar Peterson, Bill Evans... chacun d'entre eux est absolument original, unique.

Mais souvent, la manière dont le jazz est enseigné est tout sauf individualiste, comme s'il existait une manière “ standard ” de jouer et de penser le jazz, avec des normes universellement acceptées de ce qui est “ bon ” et de ce qui est “ mauvais ”. Chaque accord nécessite une certaine gamme, chaque instrument doit être joué d'une certaine manière, et chaque musicien de jazz doit aborder la musique de la même manière.

Mais l'idée de perfection n'est justement que cela : une idée, créée et soutenue par ceux qui nous entourent, par nos influences, nos professeurs, nos amis et surtout par nous-mêmes.

Avec le temps, cette idée de perfection en termes de son, de technique, voire de ce qu'est le jazz lui-même, tend à orienter et à limiter notre approche de la musique.

COMMENT NAÎT L'IDÉE DE PERFECTION

Nous n'avons pas cette idée innée dans notre esprit, mais à un certain moment, nous sommes pris d'une curiosité de savoir ce que pourrait être la perfection...

Nous jouons du jazz pour l'énergie qu'il nous transmet, parce que nous nous sentons transportés par la musique, mais à mesure que nous poursuivons notre étude, notre analyse et notre rationalisation, la flamme cesse de brûler comme avant.

Tout commence par une première obsession pour l'un de nos héros musicaux...

Imiter, copier, démonter pièce par pièce l'un de nos musiciens préférés est essentiel au processus d'apprentissage, mais souvent nous nous perdons dans le musicien lui-même, l'élevant à un tel niveau de grandeur que nous ne pourrons jamais espérer atteindre.

Notre héros musical acquiert alors cette image de perfection dans notre esprit, et tout ce que nous faisons avec notre instrument, de la recherche du timbre aux lignes, aux phrases, au timing, nous devons le mesurer à lui. Nous avons créé cette idée du musicien parfait, qui fait tout de la “ bonne manière ”, et nous en sommes très loin.

Mais l'idée de perfection ne s'arrête pas là. À mesure que nous étudions la technique, le son et le répertoire de l'instrument, une image de la perfection instrumentale se dessine, où nous fixons dans notre esprit ce que signifie “ avoir une grande technique ” ou “ un beau son ”, même si ceux-ci font partie de l'interprétation individuelle. Par exemple, Oscar Peterson et Bill Evans ont tous deux une grande technique et un très beau son, mais ils sont complètement différents, au point d'être reconnaissables à une seule note ou à un seul accord.

Nous en arrivons même à nous forger une idée dans notre esprit de ce que signifie jouer du jazz “ à la perfection ”. Nous avons cette idée de la perfection du jazz, qui dicte tout ce que nous faisons, des morceaux aux solos que nous transcrivons, en passant par notre attitude générale et la signification même d“” être un musicien de jazz “ ou simplement ” être un musicien ».

Nous créons toutes ces idées de perfection – consciemment ou inconsciemment – pour une raison : nous aider à comprendre ce que nous aimons et ce que nous n'aimons pas, afin de nous rapprocher de notre idéal, ce qui pourrait en théorie être utile.

Le problème survient lorsque nous sommes tellement attachés à notre idée de la perfection que nous rejetons notre individualité, notre créativité, notre satisfaction et notre quête, ce qui nous décourage et nous fait perdre tout intérêt.

C'est cette obsession de la perfection qui nous conduit droit dans le mur, dans une cage de limitations, détruisant le moteur même qui devrait nous pousser à apprendre, avec plaisir, comme une expérience enrichissante.

 

 

Alors, comment reconnaître cette obsession et comment la surmonter ?

 

COMMENT SURMONTER L'OBSESSION DU ’ HÉROS PARFAIT ”

Apprendre auprès de nos héros musicaux est formidable, et probablement la manière la plus directe d'apprendre le langage du jazz. En jouant par-dessus les enregistrements des maîtres, nous absorbons les détails qui ne peuvent être communiqués verbalement ou par écrit.

Utilisons nos héros pour nous inspirer, nous motiver, comprendre les mécanismes internes de l'improvisation jazz. Utilisons-les pour découvrir, définir et créer notre personnalité musicale.

Cependant, si nous sentons que nous devenons obsédés, si nous sentons que nous voulons devenir comme eux plutôt que comme nous-mêmes, il est temps de nous regarder dans le miroir.

 

3 ÉTAPES POUR SE LIBÉRER DE L'OBSESSION DU ’ HÉROS PARFAIT ”

1. Nous sommes consciemment différents de nos héros – Prenons des décisions, en choisissant de jouer différemment de nos modèles. Par exemple, s'ils jouent un morceau dans les aigus, jouons-le dans les graves. S'ils jouent fort, jouons doucement. S'ils jouent vite, jouons lentement. Éloignons-nous de leurs choix, cela peut nous aider à découvrir les nôtres.

2. Effortons-nous de créer et de définir notre ego musical. – Habituons-nous à apprendre de nos modèles comme si nous apprenions de nous-mêmes. Demandons-nous par exemple : qu'est-ce que je préfère dans sa façon de jouer ? Qu'est-ce que je n'aime pas ? Que changerais-je ? Que puis-je ajouter ? Souvent, nous prenons tout ce qu'ils jouent pour parole d'évangile, simplement parce que eux Ils l'ont joué. Au contraire, construisons quelque chose à partir de ce que nous aimons, laissons tomber ce que nous n'aimons pas et approprions-nous le matériel que nous découvrons.

3. Nous expérimentons et sommes confiants – Demandons-nous constamment : comment puis-je m'inspirer de ce qu'ils font et aller plus loin ?

Utilisons ce que nous apprenons des maîtres pour nous tenir sur les épaules des géants, et non pour rester dans leur ombre.

 

Nous ne devons pas faire les choses de la même manière que nos modèles. Leur approche montre une seule façon de faire les choses, parmi une multitude de possibilités. Apprenons de nos modèles, mais prenons nos propres décisions quant au type de musicien que nous voulons devenir, et nageons consciemment à contre-courant.

 

COMMENT SURMONTER LA “ PERFECTION INSTRUMENTALE ”

L'un des aspects de l'improvisation jazz qui peut facilement nous captiver est une technique instrumentale impressionnante. Lorsque nous entendons un bassiste comme Niels Pedersen ou un saxophoniste comme Michael Brecker, nous pensons : “ Je veux jouer comme ça ! J'ai besoin de cette technique ! ”.

Ou parfois, c'est un peu plus subtil.

Quand j'ai commencé à étudier au conservatoire, on m'a enseigné qu'il fallait acquérir toute une série de compétences pour devenir un bon contrebassiste. Par exemple, un son clair, un coup d'archet impeccable, un bon contact avec la corde, une intonation parfaite... et ce sont objectivement des choses nécessaires. D'autres, comme le fait de faire vibrer continuellement chaque note, ne le sont pas du tout et font partie, à mon avis, d'une esthétique totalement anti-musicale, bien qu'elles soient acceptées par la plupart des musiciens.

Apprendre à jouer juste avec un son clair, connaître les gammes et les arpèges, etc. est une étape nécessaire qui donne une idée de ce que signifie “ avoir une bonne technique instrumentale ”. C'est un bon point de départ.

Souvent, cependant, cela n'est pas considéré comme un point de départ, mais comme un ensemble de règles plus importantes que tout autre chose, à respecter à tout prix. Comme dans le cas de l'étude de nos modèles, nous pouvons facilement devenir obsédés par l'atteinte de cette norme technique instrumentale. Jouer avec une intonation parfaite, jouer avec une technique parfaite, jouer avec un son parfait.

Il y a une énorme différence entre consacrer du temps à étudier quotidiennement pour améliorer son intonation et son son, et être obsédé par l'idée de DEVOIR jouer parfaitement de son instrument.

Dans le jazz, personne ne joue peut-être parfaitement, au sens absolu du terme, ce à quoi aspire un musicien classique. Souvent, dans le jazz, l'intonation est imparfaite, le registre aigu est un peu strident, ou l'articulation peut être peu claire.

Le jazz n'est pas une musique parfaite. Nos modèles ne sont pas parfaits, et ils se permettent souvent de faire des erreurs.

Même si un musicien de jazz étudie chaque jour avec acharnement la technique de son instrument, l'intonation, le son, etc., lors des concerts, ces aspects musicaux passent au second plan par rapport à la prise de risques, à la narration d'une histoire, à la création d“” atmosphères musicales ». Ce sont là des éléments du jazz qui servent à communiquer avec le public.

 

N'ayez pas peur des erreurs, il n'y en a pas (Miles Davis)

(N'ayez pas peur des erreurs, elles n'existent pas)

 

Allons au-delà de l'idée (erronée) selon laquelle il n'y aurait qu'une seule façon correcte de jouer de notre instrument, ou que nous n'avons pas le droit à l'erreur. Nous jouons du jazz, nous ne passons pas une audition pour l'Orchestre de la Scala...

3 ÉTAPES POUR SE LIBÉRER DE LA “ PERFECTION INSTRUMENTALE ”

1. Nous restons à notre niveau – Tout le monde commence comme débutant, c'est un fait. Essayons d'être à l'aise avec notre niveau instrumental, mais essayons aussi de progresser continuellement en améliorant notre technique instrumentale. Nous ne devons pas nous sentir frustrés si nous ne savons pas jouer aussi fort, aussi vite ou aussi articulé. La technique et le son s'améliorent jour après jour, à petits pas.

2. Nous avons le droit de nous tromper – Le jazz est truffé de ce qu'on appelle des “ erreurs ”. Elles font partie intégrante de ce qui rend cette musique si géniale. Nous n'avons pas besoin de toujours jouer “ sans risque ”. L'objectif est d'improviser et d'être “ dans le coup ”, alors apprenons à “ lâcher prise ”, concentrons-nous sur notre voix intérieure, prenons des risques et essayons de jouer ce que nous ressentons à l'intérieur. Il ne s'agit pas de jouer de notre instrument à la perfection, mais d'exprimer notre voix intérieure, d'envoyer un message, de raconter une histoire.

3. Nous abordons notre instrument comme un voyage qui dure toute la vie. – Nous avons toute la vie devant nous pour améliorer notre technique, ce ne sera jamais un travail terminé, mais quelque chose sur lequel nous travaillons tous les jours et sur lequel nous progressons lentement. Prenons le temps nécessaire et apportons des améliorations “ durables ”.

Ne nous laissons pas bloquer par l'obsession de jouer parfaitement de notre instrument, nous devons apprendre à jouer des mélodies improvisées et à prendre des solos avec confiance en nous-mêmes. Intégrons plutôt les exercices techniques dans notre pratique quotidienne.

 

COMMENT DÉPASSER LA “ PERFECTION JAZZISTIQUE ”

Qu'est-ce que le jazz ? Si nous posons cette question à 100 grands musiciens, nous obtiendrons certainement 100 réponses différentes, mais lorsque nous apprenons à jouer du jazz, cela ne nous semble certainement pas être le cas.

On a parfois l'impression qu'il faut réfléchir à ce qu'est le jazz et le jouer d'une seule manière, qu'il faut étudier une liste précise de musiciens, dans un ordre précis, qu'il faut apprendre un langage précis, jouer certains morceaux et aborder le jazz d'une manière précise pour être un “ vrai ” jazzman...

 

Il faut abandonner complètement l'idée de ce qu'est ou pourrait être le jazz.

«Pour moi, le mot jazz signifie ” JE TE METS AU DÉFI » (W. Shorter)

“ Pour moi, le mot jazz signifie JE TE DÉFIE ” (W. Shorter)

Certains diront qu'il faut savoir jouer du funk, du rock & roll, de la salsa et tous les styles de jazz pour trouver du travail, ou qu'il faut connaître des milliers de morceaux, ou bien d'autres légendes encore, mais la vérité est que :

• Il n'existe pas de règles que les musiciens doivent respecter pour jouer du jazz, ni une seule façon de le jouer.
• Il existe de nombreux types de concerts, y compris la possibilité d'inventer notre propre style, et il n'y a pas une seule façon de jouer du jazz ou de travailler comme musicien de jazz aujourd'hui. C'est à nous de décider ce que nous voulons faire avec la musique, ce que nous aimons, la direction que nous voulons prendre.

Si nous nous sentons oppressés par les définitions du jazz données par quelqu'un d'autre, suivons ces étapes pour nous en libérer :

3 ÉTAPES POUR SE LIBÉRER DE LA “ PERFECTION JAZZ ”

1. Résistons aux dogmes sur le jazz – Il n'existe pas de définition unique du jazz. Les magazines, les livres d'histoire, les enseignants et autres tentent de définir ce qu'est le jazz et ce qu'il doit être pour être considéré comme tel, mais il ne s'agit là que de leur définition. Une définition plus appropriée pourrait être “ Un langage musical construit par les musiciens de jazz du passé, poursuivi et élargi dans toutes sortes de directions, chacune d'entre elles unique, et surtout un langage qui peut nous mener partout ”.

2. Nous explorons ce que le jazz signifie pour nous. – Que signifie le jazz pour nous ? À mesure que nous nous plongeons dans la musique, la réponse à cette question apparemment simple change, tout comme notre approche de la musique.

3. Passons à l'action – Quelle que soit la signification du jazz à ce stade de notre développement, essayons d'aller dans cette direction. N'ignorons pas les fondamentaux, mais essayons d'y intégrer notre propre vision de la musique. Par exemple, si le jazz consiste avant tout à jouer des mélodies intéressantes, ou s'il s'agit de rythmes syncopés ou de polyrythmie, allons dans cette direction. Quoi qu'il en soit, inspirons-nous-en pour orienter notre étude. Le jazz n'est certainement pas une chose : ce n'est pas un art dépassé que l'on trouve dans les livres d'histoire.

 

LA VRAIE PERFECTION : ACCEPTONS NOS DÉFAUTS ET JOUONS AVEC NOTRE CŒUR

Le jazz est plus que imperfection que de perfection. Nous devons découvrir l'imperfection, l'accepter, l'inclure dans notre langage.

Pour comprendre ce que signifie cette phrase, écoutons John Coltrane par exemple : nous pouvons dire que c'est lui dès la première note qu'il joue, non pas parce qu'il est parfait, mais justement parce qu'il ne l'est pas du tout. De la même manière, nous reconnaissons le timbre d'un instrument à partir de ce qu'il y a de plus imparfait et de plus proche du bruit : le transitoire d'attaque. Nous reconnaissons John Coltrane à ses imperfections, à la façon dont il atteint les notes aiguës, à certaines notes légèrement fausses, à son articulation...

 

Les imperfections sont ce qui nous définit, nous et notre voix.

Cela ne signifie pas que nous ne devons pas nous entraîner à jouer juste, avec un beau son ou une bonne articulation, mais plutôt qu'en travaillant pour jouer juste, avec un beau son et une bonne articulation, nous ne restons pas bloqués sur les imperfections inévitables qui peuvent exister dans notre façon de jouer.

Nos héros musicaux ne sont pas parfaits, personne ne joue parfaitement le jazz, et personne n'est capable de définir exactement ce qu'est le jazz. La perfection dans le jazz est une illusion, alors arrêtons de nous punir. Rappelons-nous que notre voix dans le jazz ne réside pas dans l'obsession de la perfection, mais dans l'acceptation de nos imperfections à travers un travail quotidien fait de curiosité, d'intérêt, de découverte personnelle et de plaisir musical.

 

LE REVERS DE LA MÉDAILLE : TU DOIS ÊTRE TOI-MÊME (et c'est tout ?)

Bien sûr, certains prennent tout ce qui précède au pied de la lettre, mais cela ne signifie pas pour autant que cela leur soit profitable. Depuis quelques années, on entend toujours la même chose dans certaines émissions de télévision. “ Tu dois être toi-même ” ou “ Tu dois être spontané ”. La plupart du temps, ces idées exprimées dans l'émission télévisée et appliquées au contexte musical causent des dommages irréparables. En effet, on entend souvent des chanteurs qui chantent faux ou qui ne sont pas en rythme, mais leurs “ coachs ” leur disent “ tu dois être spontané ”. Le résultat est que des dizaines de jeunes qui aimeraient s'initier à l'étude de la musique pensent que pour devenir musicien, il faut avant tout être spontané, au détriment de l'étude, de la connaissance de la théorie, de l'harmonie, de la recherche, de l'écoute critique et de la connaissance de la tradition. De plus, les musiciens pris comme modèles sont souvent eux-mêmes très médiocres, et prendre pour modèle un musicien médiocre ne contribue certainement pas à créer une personnalité musicale.

De plus, l'expression “ ça ne me vient pas naturellement ” est utilisée comme alibi pour couvrir l'incapacité à faire quelque chose, ou l'ignorance de certaines techniques d'improvisation, ou certaines lacunes telles qu'un manque de sens du rythme, un manque de clarté, etc.

La spontanéité ne sert absolument à rien sans la connaissance.
De nos jours, la quantité d'informations disponibles gratuitement est énorme, voire excessive. Il suffit de taper un nom ou un genre musical sur YouTube pour trouver des millions d'enregistrements audio et vidéo. Il devient même compliqué de choisir un titre. C'est là qu'intervient la nécessité d'un professeur, qui peut également guider dans le choix des éléments fondamentaux et ne pas perdre de temps avec des choses insignifiantes. Même si errer au hasard peut nous amener à découvrir quelque chose de nouveau, un choix ciblé peut nous aider à progresser. Quel que soit le genre musical que nous voulons jouer, il y a des choses que nous ne pouvons ignorer. Nous ne pouvons pas être de bons musiciens de jazz si nous ne connaissons pas A Kind Of Blue, pour prendre un exemple. Nous ne pouvons pas étudier la contrebasse sans connaître Charles Mingus, Paul Chambers, Ray Brown, Charlie Haden, Oscar Pettiford... Mais j'ajouterais que, quel que soit l'instrument que nous jouons, nous ne pouvons ignorer les grands maîtres tels que Charlie Parker, Thelonious Monk, Lester Young, John Coltrane, Bill Evans, Oscar Peterson, Red Garland, Joe Pass, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Billie Holiday, et bien d'autres encore. Ou bien jouons-nous uniquement de la musique classique ? Nous ne pouvons ignorer les œuvres historiques des plus grands musiciens du passé : Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven et mille autres...

Ou plutôt, nous avons tout à fait le droit de le faire, mais nous resterons toujours des musiciens médiocres et ignorants.

Malheureusement, à cause des émissions télévisées telles que X-Factor, une génération de musiciens en herbe a vu le jour, qui n'ont pas la moindre idée de ce que cela signifie. étudier un instrument, mais au contraire, ils sont convaincus de tout savoir sur la musique. Et ils sont surtout très spontanés dans leur façon de l'exprimer.