Breve historia del piano(Letto 521 volte)

---

La invención del piano

La invención del piano se atribuye al paduano Bartolomeo Cristofori (1655-1731), empleado por Ferdinando de' Medici, Gran Príncipe de Toscana, como custodio de los instrumentos musicales de la familia.

Cristofori fue un experto constructor de clavicordios y otros instrumentos de teclado y cuerda; este conocimiento de los mecanismos del teclado le ayudó a desarrollar los primeros pianos. 

No se sabe con exactitud cuándo Cristofori construyó por primera vez un piano; un inventario de la familia Medici indica la existencia de un piano en 1700; los tres pianos supervivientes que Cristofori construyó datan de la década de 1720. Cristofori denominó al instrumento «un clavicémbalo de ciprés con piano y forte», término que posteriormente acortó a fortepiano y finalmente a pianoforte.

El gran éxito de Cristofori estuvo determinado por el diseño innovador de un instrumento de teclado de cuerda, en el que las notas se golpean  de un martillo. 

El martillo tenía que golpear la cuerda, pero no permanecer en contacto con ella, porque el contacto prolongado amortiguaría el sonido al impedir que la cuerda vibrara y produjera sonido. 

Después de golpear la cuerda, el martillo debe entonces rebotar en las cuerdas y detenerse suavemente en su posición de reposo, evitando rebotar repetidamente y estando listo para tocar de nuevo casi inmediatamente después de presionar su tecla, para que el pianista pueda repetir rápidamente la misma nota, si es necesario.

Los primeros instrumentos de Cristofori estaban hechos con cuerdas delgadas y no eran capaces de producir el mismo volumen que un piano moderno; sin embargo, el volumen producido y la duración del sonido sostenido eran significativamente mayores que los logrados con el clavicordio, que hasta entonces había sido el único instrumento de teclado capaz de reproducir matices dinámicos que respondían al toque del pianista a través de la velocidad con la que presionaba las teclas.  

Aunque el clavicordio permitía un control expresivo del volumen y el sustain, era relativamente silencioso. El clavicordio de dos manuales, en cambio, producía un sonido suficientemente potente cuando un "acoplador" conectaba cada tecla en ambos manuales, pero no ofrecía un control dinámico expresivo sobre las notas individuales. 

En cierto sentido, el piano finalmente ofreció lo mejor de los dos instrumentos anteriores, combinando un alto volumen con un gran rango dinámico en respuesta al tacto.

El nuevo instrumento de Cristofori permaneció relativamente desconocido hasta que el escritor italiano Scipione Maffei escribió un artículo entusiasta sobre él en 1711, incluyendo un diagrama del mecanismo, que fue traducido al alemán y ampliamente distribuido. La mayoría de la siguiente generación de constructores de pianos comenzó su trabajo leyendo este artículo. 

El antepasado del pedal de sustain

Uno de estos constructores fue Gottfried Silbermann, más conocido como organero. Los pianos de Silbermann eran esencialmente copias exactas de los de Cristofori, con una importante adición: Silbermann inventó el precursor del pedal de sustain moderno, que levanta simultáneamente todos los apagadores de las cuerdas. Esta innovación permitía al pianista sostener las notas pulsadas incluso después de soltar las teclas. Por lo tanto, al mantener un acorde con el pedal de sustain, los pianistas podían mover las manos a un registro diferente del teclado para tocar otras notas.

Silbermann le mostró a Johann Sebastian Bach uno de sus primeros instrumentos en la década de 1730, pero a Bach no le gustó en aquel momento, argumentando que las notas más agudas eran demasiado delicadas para permitir un rango dinámico completo. Aunque esto le valió cierta animosidad por parte de Silbermann, la crítica fue atendida, tanto que Bach posteriormente "aprobó" un piano de 1747 e incluso llegó a actuar como representante de ventas de los pianos de Silbermann. 

La Escuela Vienesa y el fortepiano

La construcción de pianos floreció a finales del siglo XVIII en la escuela vienesa, bajo la dirección de Johann Andreas Stein (que trabajaba en Augsburgo, Alemania) y los fabricantes Nannette Streicher (hija de  Stein) y Anton Walter. Los pianos de estilo vienés se construían con marcos de madera, dos cuerdas por nota y martillos revestidos de cuero. Los teclados de estos pianos vieneses tenían un color opuesto al de los pianos modernos: las teclas de las notas "naturales" eran negras y las de las notas "alteradas", blancas. Fue para estos instrumentos que Wolfgang Amadeus Mozart compuso sus conciertos y sonatas; estos instrumentos aún se replican hoy en día para reproducir el sonido "auténtico" de la música de Mozart de la época. Los pianos de la época de Mozart producían un sonido menos intenso que los pianos modernos. El término... pianoforte distingue a este instrumento antiguo del piano de tiempos más recientes.

Entre 1790 y aproximadamente 1860, el piano de la época de Mozart experimentó enormes cambios que dieron lugar a su estructura moderna. Esta revolución respondió al deseo de compositores y pianistas de un sonido de piano más potente y sostenido; esto fue posible gracias a la revolución industrial en curso, que produjo nuevos recursos como cuerdas de piano de alta calidad y un proceso de fundición más preciso para producir estructuras metálicas capaces de soportar la enorme tensión de las cuerdas. El rango tonal del piano también se expandió progresivamente desde las cinco octavas de Mozart hasta las siete octavas de los pianos modernos.

El advenimiento de las siete octavas

Alrededor de 1777, los escoceses John Broadwood y Robert Stodart se unieron al holandés Americus  Los patrocinadores diseñaron y construyeron un piano integrado en una caja de clavicordio, lo que dio origen al término "piano de cola". Rápidamente se ganaron una reputación por el esplendor estético y el potente sonido de sus instrumentos, a la vez que desarrollaban instrumentos cada vez más grandes, robustos y potentes. Construyeron pianos para Joseph Haydn y Ludwig van Beethoven y fueron los primeros en construir pianos con un registro de más de cinco octavas: cinco octavas y una quinta en 1790, seis octavas en 1810 (Beethoven utilizó las notas adicionales en sus obras posteriores) y siete octavas en 1820. Los lutieres vieneses también siguieron esta nueva tendencia, sacrificando parte del volumen del instrumento para lograr un mayor registro y potencia expresiva. 

El doble escape

Para 1820, el centro de la evolución del piano se había trasladado a París, donde la compañía Pleyel producía pianos, los mismos que posteriormente utilizaría Frédéric Chopin, al igual que la compañía Érard producía los que posteriormente utilizaría Franz Liszt. En 1821, Sébastien Érard inventó el doble escape Este mecanismo, gracias a una palanca de repetición (llamada balanceador), permitía repetir una nota incluso si la tecla no había regresado completamente a su posición de reposo. Esto facilitó enormemente la rápida reproducción de notas repetidas, y Liszt aprovechó de inmediato esta nueva capacidad del instrumento. El mecanismo de doble escape se convirtió gradualmente en un estándar en los pianos de cola, donde aún se utiliza hoy en día. Otras mejoras del mecanismo incluyeron el uso de revestimientos de fieltro sólido en lugar de capas de cuero o algodón. El fieltro, que Jean-Henri Pape fue el primero en utilizar en los pianos de 1826, era un material más robusto que permitía rangos dinámicos más amplios a medida que aumentaba el peso de los martillos y la tensión de las cuerdas. El pedal de sostenuto moderno, que permitía una gama más amplia de efectos, fue inventado en 1844 por Jean-Louis Boisselot y copiado por Steinway en 1874. 

El arpa de hierro fundido y la cuerda armónica

Una innovación que ayudó a crear el potente sonido del piano moderno fue el uso de un marco de hierro fundido sólido y duradero. También llamado "placa", el marco se asienta sobre la tabla armónica y sirve como baluarte principal contra la fuerza ejercida por la tensión de las cuerdas, que en un piano de cola moderno puede superar las 20 toneladas. El marco de hierro fundido de una sola pieza fue patentado en 1825 en Boston por Alpheus Babcock. Babcock trabajó posteriormente para Chickering & Mackay, la empresa que patentó el primer marco de metal sólido para pianos de cola en 1843. Los marcos de metal forjado compuesto fueron los preferidos por muchos fabricantes europeos hasta que el sistema estadounidense se adoptó por completo a principios del siglo XX. La mayor integridad estructural del marco de metal permitió el uso de cuerdas más gruesas, más tensas y más numerosas. En 1834, la firma de Birmingham Webster & Horsfal introdujo un tipo de cuerda de piano de acero fundido; era tan superior al alambre de hierro que la firma inglesa logró prácticamente el monopolio de la fabricación de cuerdas. Pero pronto, en 1840, la firma vienesa Martin Miller desarrolló un alambre de acero aún mejor; se inició un período de innovación y de intensa competencia, en el que marcas rivales de alambre de piano se enfrentaron entre sí.  el otro en competiciones internacionales, lo que finalmente dio lugar a la forma moderna de cuerda de piano.

La cejuela y las cuerdas cruzadas

Varios avances importantes incluyeron cambios en el sistema de encordado del piano. El uso de un "coro" de tres cuerdas, en lugar de dos para todas las notas excepto las más graves y monótonas, mejoró la riqueza y complejidad de los agudos. El uso de una cejilla (o capotasto) en lugar de llaves en los agudos más agudos permitió que los martillos golpearan las cuerdas en su posición óptima, aumentando considerablemente la potencia del sonido en esa zona. La implementación del sistema de sobreencordado (o encordado cruzado), en el que las cuerdas se colocan en dos planos separados, cada uno con su propio puente, permitió una mayor longitud de las cuerdas graves y optimizó la transición de las cuerdas agudas sin encordar a las graves entorchadas en hierro o cobre. El sobreencordado fue inventado por Pape en la década de 1820 y patentado por primera vez para su uso en pianos de cola en Estados Unidos por Henry Steinway Junior en 1859.

Algunos fabricantes de pianos agregaron variaciones para mejorar el sonido de cada nota, como Pascal Taskin (1788), Collard & Collard (1821) y Julius Blüthne, quien desarrolló el encordado Aliquot en 1893.

Estos sistemas se utilizaban para reforzar el sonido del registro más agudo del piano, que hasta entonces se consideraba demasiado débil. Cada uno utilizaba vibraciones no amortiguadas, con un timbre más distintivo, provenientes de cuerdas que vibraban por simpatía para enriquecer el sonido, con la excepción de las cuerdas Blüthner Aliquot, que utilizan una cuarta cuerda adicional en las dos secciones agudas superiores. Con el afán de copiar estos efectos, Theodore Steinway inventó el escalado dúplex para aumentar las vibraciones. compasión.

El piano cuadrado

Algunos de los primeros pianos tenían formas y  Diseños que ya no se utilizan; el llamado piano cuadrado (que en realidad no era cuadrado, sino rectangular) se extendía transversalmente en un ángulo extremadamente agudo sobre los martillos, con el teclado dispuesto a lo largo del lado largo. Este diseño se atribuye a Christian Ernst Friderici (alumno de Gottfried Silbermann en Alemania) y a Johannes Zumpe en Inglaterra, y fue mejorado por cambios iniciados por Guillaume-Lebrecht Petzold en Francia y Alpheus Babcock en Estados Unidos. Los pianos cuadrados se fabricaron en grandes cantidades entre 1840 en Europa y 1890 en Estados Unidos, y constituyeron el cambio más drástico en el estilo pianístico: los pianos cuadrados con marco de hierro y cuerdas producidos por Steinway & Sons eran el doble de grandes que los instrumentos con marco de madera de un siglo antes. Su abrumadora popularidad se debió a su construcción y a su precio relativamente económico, aunque su sonido y rendimiento se veían limitados por las estrechas tablas armónicas, la acción básica y el espaciado de las cuerdas, que dificultaban la correcta alineación de los martillos.

El piano de cola vertical 

El piano de cola vertical, con cuerdas verticales, se construyó como el piano de cola horizontal, con la tabla armónica y el puente sobre las teclas y las clavijas debajo. Por lo tanto, eran muy altos y recibían nombres evocadores como "Piano Jirafa" o "Piano Pirámide", a menudo decorados a juego. Fue construido en el siglo XIX. La diminuta espineta vertical se fabricó desde mediados de la década de 1930 hasta hace poco. La posición baja del martillo requería el uso de una "acción de caída" para mantener una altura razonable del teclado. 

El piano moderno

Los pianos verticales y de cola modernos alcanzaron su forma actual a finales del siglo XIX; desde entonces se han realizado mejoras en los procesos de fabricación y muchos detalles del instrumento continúan evolucionando.

Algunos pianos acústicos de la década de 2010 en adelante están equipados con interfaces MIDI y un módulo de sonido digital.

Estilos en evolución

Muchos compositores clásicos, como Haydn, Mozart y Beethoven, compusieron para fortepiano, un instrumento muy diferente del piano moderno. Incluso compositores del Romanticismo, como Franz Liszt, Frédéric Chopin, Clara y Robert Schumann, Fanny y Felix Mendelssohn, y Johannes Brahms, escribieron para pianos muy distintos de los modernos. Por lo tanto, los músicos contemporáneos deben adaptar sus interpretaciones de composiciones históricas de 1600 a 1800 para tener en cuenta las diferencias en la calidad del sonido y la técnica interpretativa.

A partir de Beethoven, el fortepiano evolucionó hasta convertirse en un instrumento más similar al piano moderno de la década del 2000, ampliamente utilizado a finales del siglo XIX. Presentaba un registro de octavas más amplio que el anterior fortepiano, añadiendo aproximadamente 30 teclas más al instrumento, lo que amplió la  La producción popular de pianos verticales los hizo más accesibles a un mayor número de personas de clase media. Aparecieron en salas de música y pubs durante el siglo XIX, ofreciendo entretenimiento con un piano solista o en conjunto con una pequeña orquesta de baile. Al igual que los clavecinistas acompañaban a cantantes o bailarines en sus actuaciones en el escenario o en bailes, los pianistas asumieron este rol a finales del siglo XVIII y en los siglos siguientes.

Durante el siglo XIX, los músicos estadounidenses que tocaban para el público de clase trabajadora en pequeños pubs y bares, en particular los compositores afroamericanos, desarrollaron nuevos géneros musicales basados en el piano moderno. La música ragtime, popularizada por compositores como Scott Joplin, alcanzó un público más amplio en la década de 1900; la popularidad de la música ragtime fue rápidamente reemplazada por el "pianismo" del jazz. Se inventaron nuevas técnicas y ritmos para el piano, incluyendo el llamado "ostinato" para el boogie-woogie y... Voz Esquila. La Rapsodia en azul de George Gershwin abrió nuevos caminos en la música al combinar el piano de jazz americano con sonidos sinfónicos. CompingLa técnica del acompañamiento al piano de cantantes y otros solistas de jazz fue ejemplificada por Duke Ellington. El honky-tonk, caracterizado por un estilo diferente de ritmo pianístico, tomado del blues y precursor del rock and roll, se popularizó en la misma época. Las técnicas del bebop surgieron del jazz, con destacados compositores y pianistas como Thelonious Monk y Bud Powell. A finales del siglo XX, Bill Evans compuso piezas que combinaban técnicas clásicas con su experimentación jazzística. En la década de 1970, Herbie Hancock fue uno de los primeros compositores y pianistas de jazz en popularizarse con las nuevas técnicas de la música urbana, como el jazz-funk, el jazz-rock y otros géneros de "fusión" (una fusión de géneros y corrientes musicales en un nuevo estilo híbrido).

Los pianos también han sido utilizados de forma destacada en el rock and roll y la música rock por artistas como Jerry Lee Lewis, Little Richard, Keith Emerson (Emerson, Lake & Palmer), Elton John, Ben Folds, Billy Joel, Nicky Hopkins y Tori Amos, por nombrar algunos. Los estilos musicales modernistas también han inspirado la obra de compositores que escriben para el piano de cola moderno, como John Cage y Philip Glass.

La estructura de acción mecánica del piano vertical fue inventada en Londres, Inglaterra, en 1826 por Robert Wornum, y los modelos verticales se convirtieron en el modelo más popular y extendido para uso doméstico. 

El papel del piano

El piano era el centro de la vida social en el hogar de clase media alta del siglo XIX.

Es un instrumento importante en la música clásica occidental, el jazz, el blues, el rock, la música folclórica y muchos otros géneros musicales occidentales. Los pianos se utilizan en roles solistas o melódicos, o como instrumentos de acompañamiento. Además, pueden tocarse solos, en dúos con un cantante u otro instrumento, en grupos pequeños (bandas y conjuntos de música de cámara) y en grandes conjuntos (big band u orquesta). 

Muchos compositores y letristas son pianistas expertos porque el teclado del piano ofrece un medio eficaz para experimentar con complejas interacciones melódicas y armónicas de acordes e interpretar múltiples líneas melódicas independientes simultáneamente. Los compositores que componen bandas sonoras para cine y televisión utilizan el piano porque su amplio registro les permite experimentar con melodías y líneas de bajo, incluso si la música posteriormente se orquestará para otros conjuntos instrumentales.

Los directores de orquesta y coro suelen aprender a tocar el piano, ya que es un excelente instrumento para apoyar el aprendizaje de nuevas piezas y canciones que dirigirán durante la interpretación. Muchos directores también tienen formación pianística, lo que les permite interpretar un resumen de las partes de las piezas orquestales que dirigirán (a menudo utilizando una "reducción para piano"), lo que les permite desarrollar criterios interpretativos antes de transmitirlas a los músicos de la orquesta.

El piano es un instrumento esencial en la educación musical. La mayoría de las aulas de música y muchas salas de práctica cuentan con un piano. Los pianos se utilizan como apoyo en la enseñanza de teoría e historia de la música, así como en las clases de educación musical; por lo tanto, incluso los profesores de música que no son pianistas suelen tener un piano en su oficina.